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Ahora que han pasado unos días desde que supimos el final de ‘Juego de Tronos’ y que se han calmado los ánimos con que hemos vivido la última temporada tal vez sea el momento de plantearnos el modo en que afrontamos los finales de las series, como una especie de juicio sumarísimo a aquellos autores que nos han regalado títulos con los que hemos disfrutado.
No deja de ser curioso que seamos especialmente duros con los creadores de una serie que nos ha proporcionado tan buenos ratos, un universo riquísimo y un buen número de conversaciones y debates. Porque tendría cierto sentido -aunque tampoco sea necesario- que despotricáramos contra los guionistas de producciones que nos hayan decepcionado, aburrido o que se hayan estirado hasta la extenuación, pero no contra los que lo hicieron bien. O todo lo bien que se puede hacer con un fenómeno de semejantes características. Nunca antes nos habíamos enfrentado a un título que suscitase tal interés en el mundo y que fuese sometido a este nivel exagerado de análisis. Llevar esa responsabilidad no ha de ser fácil. Y no descartaría que la prisa que han tenido Benioff y Weiss por quitársela de encima se deba en parte a esa presión, a esa atención desmesurada.
No tenemos que olvidar que hemos asistido a una circunstancia poco habitual en el mundo de las series. A ‘Juego de Tronos’ se le ha recriminado que ha rodado menos episodios de los esperados, cuando lo habitual es que se eche en cara a creadores y cadenas que estiren sus éxitos hasta desvirtuarlos, como ocurrió con ‘Dexter’, ‘Weeds’, ‘House of cards’ o la recientemente culminada ‘The Big Bang Theory’. Con fenómenos como ‘Breaking Bad’ o ‘Perdidos’ la audiencia entendió que tocaba poner fin. Pero esta vez ha sucedido la contrario, nadie creía que los personajes estuvieran agotados o que se alargaban las tramas sin sentido.
Pero Benioff y Weiss decidieron que este era el momento y modo de poner fin a esta historia. A SU historia. No se nos debería olvidar que, por mucho que la serie haya traspasado todo tipo de fronteras y forme parte del imaginario colectivo, ‘Juego de Tronos’ (la serie) es de ellos. Ellos decidieron adaptarla, ellos convencieron a HBO para que la produjera, ellos seleccionaron las tramas que iban a mandar en el relato, ellos fueron enganchado cada vez a más espectadores hasta convertirla en una cita imprescindible.

Con estos antecedentes, desde luego, no deberían ser sospechosos de nada, pero aún así su labor fue puesta en duda desde que se estrenó el primer capítulo de esta última temporada. Demasiado lento, demasiado soso, demasiado flojo. Por supuesto no me estoy extrañando de que el público opine (yo mismo lo hago) sobre algo que ha visto, consumido. Tenemos derecho a que las cosas nos gusten o no y a decir por qué. Pero en este caso las valoraciones trascendían a lo que nos agrada o no, para poner en duda la capacidad de los autores para echar el cierre a algo que ellos habían puesto en marcha. Como si fuesen unos aficionados o unos recién llegados. Como si no llevaran ocho años haciendo esto.
He visto a gente echándose las manos a la cabeza en plan ‘cómo hemos dejado en manos de estos señores’ nuestra serie. Se les ha criticado por todas las vías y se ha llegado incluso a abrir una petición en change.org para solicitar que se rehaga la temporada con otras manos y otros argumentos. ¿Y a quién se supone que habría que pedírselo? ¿Y qué pasa si a otro millón de personas no les gusta el nuevo final? ¿La volvemos a rehacer o regresamos al anterior? La actitud es infantil, pero da cuenta del poco respeto con el que juzgamos en ocasiones determinadas labores. Y de algunos excesos asociados al modo en que vemos las series.
Con esta desconfianza y esta superioridad (todos llevamos un guionista dentro y lo hemos dejado salir en el último mes y medio) hemos asistido al final de ‘Juego de Tronos’. Y lo hemos juzgado en función de si se desarrollaba como esperábamos o no, del destino que se le daba a nuestro personaje favorito, de si vencía la familia por la que habíamos apostado. Y si esta expectativas (un poco simples) no se cumplían nos enfurruñábamos y no éramos capaces de ver y valorar el resto.
Porque me resulta incomprensible que a estas alturas no seamos capaces de aplaudir la dimensión que ha tenido ‘Juego de Tronos’, el divertimento que nos ha proporcionado, la incidencia que ha logrado en nuestra sociedad, la coherencia que ha mantenido durante 73 capítulos.

La experiencia de ‘Juego de Tronos’ nos debería hacer reflexionar sobre el modo en que encaramos los finales de las series, la vehemencia con que los digerimos. No es la primera vez que nos pasa. Esperamos muchos finales con las garras afiladas y así es difícil que nos dejen satisfechos, por más que se cierren todas las tramas, que se busquen salidas para todos los personajes o que se gasten una cantidad de dinero ingente para ofrecernos lo nunca visto en televisión (esas batallas tardaremos en tener con qué compararlas).
Tendríamos que aprender a separarnos lo suficiente de la obra para analizarla, para buscarle matices, para entender lo que querían contarnos. Y comprender que la obra no es nuestra, aunque creamos que sí. ‘Twin Peaks’ no era nuestra. ‘Perdidos’ no era nuestra. ‘Juego de Tronos’ no era nuestra. Por más que todas estas y otras las hayamos vivido con una intensidad notable. Es de otros autores y en su mano estaba colocarle el punto final. Ese derecho es suyo. Y a nosotros nos queda aceptarlo. Y no ver más series firmadas por ellos si hemos quedado descontentos o verlas todas si aún estamos flipando. Lo que no podemos es sentirnos agraviados, heridos o indignados como si nos hubieran dañado algo de nuestra propiedad.
Esa actitud será buena para nuestra salud seriéfila. Consumiremos más series sin temor a si culminaran bien o mal y coaccionaremos menos a los guionistas para que hagan a gusto su trabajo, para que clausuren como deseen las historias que ellos han ideado. Solo ellos. Lo de que la importante son las historias (que decía Tyrion), creo que era una tirita que Benioff y Weiss se pusieron antes de hacerse la herida (previendo la que se les veía encima).
Menudo marrón cerrar ‘Juego de Tronos’. Eso lo han tenido que pensar mil veces. Y con razón.
Con esta última temporada hemos asistido a todo tipo de reacciones post-capítulos y post-final. Hemos hallado a los que renegaban de todo y a los que le buscaban explicación a lo que hiciera falta (sabiendo más que los propios directores). Los que se autoproclamaban defensores a ultranza de la serie (y como tal incluso insultaban a los que osaban a criticar alguna trama) y los ‘haters’ que no pasaban ni una por alto. Los que trataban de disfrutar el capítulo y los que se sentaban a buscarle el fallo. Posturas extremas. Todo a lo grande con ‘Juego de Tronos’. Se nos ha ido la vida e igual no era necesario llegar tan lejos.
A ver si se nos va pasando la excitación y empezamos a evaluar y estimar lo que ha supuesto para la televisión, la seriefilia y la creación este fenómeno. Que ha sido mucho (más allá del acierto o no con el desenlace). No podremos hablar de historia de la televisión sin citarla.
Aprendamos la lección: dejemos morir a la series en paz. Nos irá mejor.

PD: Hablando de morir. Con este post dejo morir este blog (que ya apenas actualizaba) que nació hace siete años para hablar de series y televisión, cuando solo lo hacía de modo esporádico. Como los tiempos han cambiado y ahora tengo otros espacios para escribir de ello será mejor cerrar esta ventana seriéfila.
Me puede seguir leyendo en lasprovincias.es y La butaca y escuchando en el Laboratorio de Investigación de Series.

No se me ha ocurrido mejor final, tampoco tenía dragones y lobos huargos.

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A las múltiples funciones que les hemos adjudicado a las series habría que añadirle la de conseguir retenernos en casa para evitar el calor. No hay mejor excusa para no salir de nuestro hogar (habitual o vacacional) que quedarse viendo uno de los múltiples títulos que a estas alturas seguimos guardando en la cuenta de pendientes. Aquí van ocho opciones.

1. Trust
El verano es un buen momento para echar un vistazo a títulos que en el momento de su estreno pasaron inadvertidos ante la enorme competencia que existe hoy en día. No hay semana en que se presenten menos de dos o tres producciones y esto es inabarcable para cualquier espectador que quiera además tener vida. ‘Trust’ cuenta con Danny Boyle (‘Trainspotting’) en la dirección y en el reparto con actores como Donald Sutherland, Hilary Swank o Brendan Fraser. Y aún así no llamó la atención suficiente. Tal vez la culpa la tenga un primer capítulo en el que se presenta rodeado de excesos al patriarca de la familia Getty, el magnate del petróleo, y que poco tiene que ver con el resto de la serie, mucho más trepidante y centrada en el macabro secuestro de su heredero. Un hecho real que conmocionó en los años 70 y que sirve para hacer un retrato bastante cruel de las relaciones familiares.

Producida por FX se puede ver en España por HBO.

2. Heridas abiertas
Es la serie del verano, a falta de superproducciones con dragones. Este año se está hablando del título que adapta una novela de Gillian Flynn y que incluye a Amy Adams y Patricia Clarkson como protagonistas. ¿Credenciales? La creadora es Marti Noxon (que también firmó la estupenda ‘UnReal’) y el director, Jean-Marc Vallée, que hizo un trabajo notable en ‘Big Little Lies’. Se centra en una periodista de sucesos que debe regresar a su ciudad natal para cubrir los asesinatos violentos de dos chicas preadolescentes. Este retorno le obliga a enfrentarse a los fantasmas de su infancia y a una familia con la que le quedan cuentas por resolver. El drama familiar se lleva en verano (y en cualquier estación del año).

Producción de HBO

3. Killing Eve
Cuando creíamos que el mejor psicópata con el que empatizar era Dexter llega esta producción basada en las novelas de Luke Jennings y nos presenta a Villanelle, una asesina a sueldo sádica, que disfruta matando. En su camino se va a cruzar Eve, una criminalista que empeña su carrera para dar con ella. Entre ambas se establecerá un curioso juego del gato y el ratón, en el que nadie queda a salvo. Pero además entre las dos surge una admiración a distancia e incluso una cierta atracción difícil de explicar. ¿A dónde conduce esta relación? En 8 capítulos se resuelve el enigma. Una brillante combinación de humor y acción.

Producción de BBC, que se emite en España por HBO

4. Safe
Y hablando de Dexter… Tampoco ha merecido demasiada atención esta serie de Netflix protagonizada por Michael C. Hall y escrita por el autor de novela negra Harlan Coben. Y eso que su mano se hace notar en esta historia de intriga en torno a un cirujano, viudo y padre de dos hijas, que ve cómo su vida se desmorona cuando su hija desaparece. Esta circunstancia pondrá de manifiesto los secretos de un vecindario en el que nada es tan idílico como parece (¿cuándo lo es?). Sin llegar a ser un título vibrante cumple su cometido: entretiene y sorprende. Antes era eso lo que le pedíamos a las series. Después nos volvimos demasiado exigentes.

Producción de Netflix

5. El día de mañana
Es seguramente el producto de ficción que más ha sorprendido de los que ha estrenado Movistar (y los ha habido buenos). Quizá porque era el que menos hype tenía detrás (y eso que detrás está Mariano Barroso). Es la adaptación de una novela (conviene remarcar el creciente número de adaptaciones literarias al que asistimos en lo de las series) de Martínez de Pisón y gran parte de su éxito se debe a la soberbia interpretación de Oriol Pla, que da vida a un joven ambicioso que trata de prosperar en una ciudad (Barcelona) que no se lo pone fácil y que lo convertirá en villano a su pesar. Es, por encima de todo, un soberbio retrato del tardofranquismo y de una sociedad convulsa que iba aceptando los cambios de distinta manera.

Producción de Movistar

6. Fariña
Antena 3 demostró que en una cadena generalista se puede emitir una producción que asuma riesgos, que incluya asuntos políticos y que no trate de conquistar a todo tipo de espectadores. Aquí no hay desayunos (que no incluyan coca) en familia. ‘Fariña’ narra el modo en que el narcotráfico encontró en Galicia a su mejor aliado y cómo esta circunstancia cambió para siempre esta tierra y marcó la España de los 80. Es además una ajustada crónica sobre cuatro familias de escasos recursos que hipotecaron las vidas de sus vecinos para prosperar. Netflix la ha incluido en su catálogo: los narcos patrios tienen potestad para plantar cara a los colombianos e italianos. Y si no al tiempo.

Producción de Antena 3. Desde el 3 de agosto, disponible en Netflix

7. Paquita Salas

La conocimos por internet gracias a la webserie que se sacaron de la manga los Javis y que se convirtió en un exitazo. La segunda temporada dispone de un presupuesto mayor (y se nota), mantiene su espíritu gamberro, se pierde en algunos momentos por culpa de los cameos, pero consigue encandilar de nuevo al espectador. Paquita es una representante de artistas que triunfó en los años 90 y que ahora comprueba que sus métodos han quedado desfasados y el mercado le da de lado. ‘Paquita Salas’ habla de los perdedores, de los fracasados, de los diferentes. Y lo reviste de humor, de ironía, de trazos grotescos, de guiños noventeros…

Producción de Netflix

8. Glow
Y hablando de regresos al pasado, ‘Glow’ nos traslada a los años 80 y nos sumerge en la aventura de un grupo de mujeres inadaptadas a las que la vida les concede una segunda oportunidad en forma de programa de televisión de lucha libre, algo así como un ‘pressing catch’ femenino. Convertidas en populares luchadoras se enfrentan a sus problemas personales y a sus miedos e inseguridades (camufladas con diferentes disfraces). La segunda temporada es una oda a la sororidad y al trabajo en equipo.

Producción de Netflix

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Lo verdaderamente complicado no es empezar, sino continuar. Los inicios –una vez se dan las circunstancias favorables para comenzar un proyecto- suelen ser ilusionantes, permiten explorar caminos, invitan a derrochar ideas y energías. No hay nada anterior con lo que comparar y queda una perspectiva por delante para desarrollar aquello que quieres hacer. Son las ventajas del folio en blanco, que, superado el vértigo, ofrece la posibilidad de dibujar todo aquello que siempre has querido hacer y ahora tienes el soporte.

Con las series suele ocurrir lo mismo. La primera temporada es –o debería ser- aquella en la que muestras lo que deseas contar y cómo lo deseas contar. Como no existe un pasado no se es preso de nada. Todo lo contrario, la única presión es no resultar suficientemente atractivo o convincente como para que tu proyecto guste. Por el miedo a que esto suceda se echa toda la carne en el asador. Y se prueba. Alea jacta est.

Si la serie funciona y se plantea una continuidad surgen problemas (el éxito también provoca problemas, sí): si se trata de calcar tal cual los elementos más exitosos de la primera tanda, la presión de estar a la altura, el temor a repetir reacciones adversas ya vividas… En la segunda temporada hay con qué medirse y eso coarta. Por ello no son pocas las series que se topan con una segunda temporada fallida, más caótica que la primera, menos atrevida o con menor singularidad. Hay excepciones, por supuesto, como ‘Halt and catch fire’, que ganó enteros según fue avanzando, o ‘Mad Men’, que mantuvo siempre la intensidad. Pero en general suelen ser un trance duro de superar. Eso no quiere decir que sean letales. ‘Juego de Tronos’ y ‘Perdidos’ tuvieron segundas partes flojas y después supieron retomar el norte y plantar unas terceras sublimes. Estos dos títulos se toparon tras estrenarse con una legión de seguidores y una expectativas altísimas, y esto no es sencillo de gestionar.

Quizá algo de eso les ha ocurrido también a ‘El cuento de la criada’ y ‘Westworld’, que han firmado dos segundas temporadas problemáticas. Y a partir de aquí, spoilers. Las dos llegaban tras haber recibido numerosos halagos con sus episodios de estreno y se enfrentaban a continuar dos historias que aparentemente tenían mucho recorrido por delante. Y ahí precisamente ha estado uno de sus escollos, que se ha avanzado poco, que se han quedado a medio camino, que les ha costado dar pasos firmes y avanzar con la trama.

En el caso de ‘El cuento de la criada’ se enfrentaban al handicap de continuar un relato que se basaba en un libro publicado en 1985. La primera temporada agotaba la historia planteada por Margaret Atwood. Es verdad que si se hubiese quedado ahí habría sido una producción perfecta, pero la decisión de ir más allá con la travesía de June no era descabellada. Habíamos oído hablar de las colonias, sabíamos que existía vida en el exterior, nos habían citado a las econoesposas… Eran elementos a los que se podía recurrir en la continuación, y se ha hecho pero no han dado de sí todo lo que debían. La serie nos ha conducido a ellos pero apenas se ha detenido o ha resuelto de manera brusca o torpe las situaciones que se planteaban allí.

Por otro lado la primera parte de ‘El cuento de la criada’ había acabado con la protagonista tratando de huir, algo que se truncó demasiado deprisa. El principal problema de los capítulos estrenados ha sido esa sensación constante de estar desandando lo andado. Por ejemplo, en al menos dos episodios se ha conducido al espectador por una trama en la que parecía que la criada iba a perder el bebé, algo que nunca sucedió, e incluso fue capaz de parirlo sin ayuda de nada ni nadie en una casa abandonada. ¿Cómo lo consiguió? ¿Cómo salió de allí? Una elipsis libró a la ficción de contárnoslo. En otro episodio se empeñaron en hacernos creer que iba a morir otro niño para casi al final salvarse milagrosamente. En otro momento nos inducen a pensar que Nick ha muerto, pero este reaparece después sin que nadie nos cuente qué había ocurrido. Este tipo de trampas son recurrentes en cualquier serie, siempre y cuando conduzcan a algún punto o sirvan para ir avanzando la historia en general.

La sensación es que ‘El cuento de la criada’ no ha sido valiente, no se ha atrevido a seguir por esa línea dura que impuso en sus primeros capítulos y ha preferido además guardar mecha que poder quemar en una tercera temporada ya firmada. Con esta deriva Gilead se ha perdido en el camino, hemos sabido poco de todo el conjunto de la población y nos hemos centrado todo el rato en una June que iba y venía sin alcanzar ninguna parte. Así, personajes como el de la tía Lydia se han desdibujado y otros nuevos como el de la mujer de Nick han pasado sin pena ni gloria. La serie ha ido traicionando sus reglas sin pudor, saltándoselas. Resulta increíble que después de todo lo que ha hecho June haya conseguido permanecer ilesa (hasta Serena ha perdido un dedo).

¿Por qué apareció tan tarde el comandante que salva a Emily? ¿Y cuál es su razón para hacerlo? ¿Por qué nadie se percata y detiene la relación de June y Nick si no paran de darse arrumacos por toda la casa? ¿Por qué la mujer de Nick no lo delata? ¿Y cómo se enamora tan rápidamente de otro? Son dudas que quedan en el aire y errores que desfavorecen un título que, pese a todo, mantiene la vigencia y sigue contando con una producción visualmente fascinante.

Con ‘Westworld’ también parece que se ha caído en el error de apenas avanzar la trama. Y como había que llenar diez capítulos se ha abusado de actos violentos, programándolos sin sentido para rellenar capítulos y capítulos. Creíamos que esta temporada iba a ser en la que androides y humanos se enfrentan en el exterior, pero ese momento no se ha producido. Los nuevos escenarios, Shogun World o el mundo indio, han aparecido sin ningún cometido. Y tal cual han desaparecido.

‘Westworld’ es una ficción que detrás de sus escenas de acción persigue la intención de plantear escollos y preguntas sobre temas latentes en la sociedad actual: la represión, la necesidad de ser otros, la pérdida de la identidad… Pero esta vez a pocos mensajes y conclusiones se ha podido llegar porque la trama no aguantaba ni avanzaba. Y mientras tanto, Dolores se ha convertido en otra persona (pero nadie nos ha explicado por qué o cómo), en una killer capaz de aniquilar a cualquiera e incapaz de escuchar ni atender a nadie. Y Maeve se ha desdibujado sola y ha merodeado sin brillar en ningún momento. ¿Le ha faltado valentía? No es el caso. La serie recurría de nuevo a las encrucijadas difíciles de descifrar. Lo que no le ha favorecido es tener que mirar hacia delante con la previsión de que hay que rodar algunas temporadas más y por tanto no se pueden gastar ya todos los cohetes.

En cualquier caso ambas han sido dos de los títulos más relevantes del curso y muy superiores a otras segundas tandas que cayeron en lo absurdo y en lo repetitivo. Ahí está el caso de ‘Stranger things’, que repitió este año el esquema usado en la primera temporada tal cual. Para no correr ningún riesgo y de este modo no aportar nada de nada. O ‘Por 13 razones’, que simplemente estiró el chicle. No contentos con relatarnos todos los abusos que sufrió Hannah, esta vez repartieron otros más para el resto de la pandilla. Se hizo imposible de atender e increíble de creer. Todas ellas tienen posibilidad de seguir, por cierto, y llega ahora el momento de enmendar los errores y recuperar el brillo.

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Nadie duda a estas alturas de la influencia que tienen las series en la actualidad. No sólo a nivel cultural, sino en el ámbito social también. El consumo de este tipo de productos ha aumentado considerablemente en los últimos años. Desde 2002 las ficciones de televisión han crecido en un 168%. Con estas cifras no es descabellado suponer la enorme incidencia que este hábito tiene en nuestro lenguaje, en nuestros referentes diarios, en nuestra actividad cotidiana y en nuestros comportamientos.

Algunos títulos gozan de tal éxito que son usados en conversaciones y escritos para describir un hecho o una acción, sin necesidad de contextualizar demasiado. Posiblemente al que más se recurra sea a ‘Juego de Tronos’. Así se alude a menudo a la ‘boda roja’ para referirse a una escabechina humana o a la ‘boda púrpura’ si se está hablando de venganzas. Se menciona a Khaleesi como fuerza liberadora o a Cersei como mente maquiavélica. Las series usadas como figuras metafóricas van más allá de los 7 Reinos y podríamos citar otros ejemplos, como ‘Perdidos’, ‘Black Mirror’ o ‘Friends’, que forman parte ya del imaginario colectivo. Un caso reciente: la mayoría de crónicas que se escribieron sobre el rifirrafe entre las reinas Sofía y Letizia echaron mano de la serie ‘The Crown’ para ilustrar el entuerto.

El auge de las series ha logrado también que penetren de forma masiva en la manera de expresarnos, con determinadas palabras o conceptos. Es el caso de ‘spoiler’, que ha pasado de ser un término que se utilizaba en ámbitos académicos a usarse en jerga diaria. Los ‘spoilers’ van más allá de las revelaciones de tramas seriéfilas o cinematográficas. Ahora se hace ‘spoiler’ de todo, de un partido de fútbol, de un ligue de una noche o de una discusión. El vocablo ha ido más allá de su concepción original y se se recurre a él con naturalidad cuando alguien no quiere que le chafen un final, de un producto de ficción o no. Aunque con menos frecuencia otros conceptos también han traspasado el ámbito seriéfilo y nos sirven para describir sentimientos, situaciones o momentos. Así, una sucesión de entuertos en la vida real puede calificarse como ‘una sit-com’, una repetición del mismo suceso en diferentes momentos o con distintas personas podría ser ‘un remake’ y una explicación que se interrumpe en el instante más interesante sería un ‘cliffhanger’ en toda regla. Las secuelas ya no son solo consecuencias negativas de algo y hay otros pilotos más allá de los que dirigen aviones. Términos como flashbacks o dramedia se cuelan en nuestras charlas sin necesidad de que estemos discutiendo sobre una ficción. El diccionario de la calle ha crecido por culpa de las series.

El colmo del influjo, del ascendiente que tienen los productos seriados en nuestro hecho cotidiano es la percepción de la realidad como si fuese una serie. Me explico: ¿No ha tenido usted la sensación con algunos acontecimientos recientes de estar viviendo una serie en tiempo real? Como si fuese algún experimento o una entrega especial de ‘Black Mirror’. Ocurrió con la destitución de Pedro Sánchez, que vivimos casi en directo, con personajes secundarios que de pronto tomaban relevancia (Verónica Pérez), giros inesperados (las 17 dimisiones de la ejecutiva del PSOE), o batallas campales que parecían ‘season finales’ (el comité federal).

La última serie real de la que hemos sido espectadores (aún sigue en emisión) es la del máster de Cristina Cifuentes, en torno a una presidenta que ve cómo su gobierno se tambalea por culpa de un dato de su currículum que no cuadra. Lo que parecía una pequeña anécdota va tomando volumen y transformándose en una crisis ‘casi de estado’. Podría ser ‘Borgen’, pero la protagonista tiene menos carisma, eso sí. Ahora bien, piensen en cómo nos hemos referido al caso Cifuentes. Cada dato inédito en la investigación y cada revelación (documentos falsificados, profesores asegurando que no habían firmado nada) han sido recibidos entre la audiencia como si se tratasen de nuevos capítulos. Cada maniobra o reacción nos parecían giros de guión, algunos bastantes inverosímiles por cierto, que de pertenecer a un producto de ficción hubiésemos rechazado sin duda. Lo de Pablo Casado (su no máster) bien parecía un ‘spin off’ y los más avanzados contemplaron la renuncia de Cifuentes a su propio máster como un ‘jumping the shark’ (salto de tiburón), que para el que no lo sepa es un recurso del que echan mano los guionistas cuando la serie se alarga, pierde interés y es necesario usar un reactivo (por increíble que sea) para captar de nuevo la atención del público. Lo del robo en el hipermercado, tipo Winona, es una trama que ni a los guionistas más rebuscados se les hubiese ocurrido.

Aunque para serie que se alarga la de Puigdemont, que ya lleva en antena varias ‘temporadas’, algunas con ‘season finales’ impactantes como lo fue la detención en Alemania, que nadie esperaba y que despertó el interés perdido. Entre medio hemos asistido a consultas ilegales, conflictos policiales, huidas, elecciones, sentencias polémicas y otros recursos narrativos que de nuevo son observados por los ciudadanos-espectadores como si asistiesen en primera fila a un guión orquestado.

Porque las series se han convertido en el elemento común para medirlo todo, para compararlo todo, para calificarlo todo. Son objetos/herramientas cada vez más extendidas, más plurales y más presentes en nuestra vida, por lo que es lógico que se recurra a ellas, consciente o inconscientemente.

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Lo mejor que se puede decir de ‘Mira lo que has hecho’ es que es un dignísimo retrato de la sociedad de hoy en día, de las personas que habitamos en esa sociedad y de los problemas que esas personas tratan (tratamos) de resolver en el día a día. La nueva apuesta de Movistar es una serie de nuestro tiempo. Parece una perogrullada, pero no lo es tanto. Existen multitud de títulos que por sus argumentos y desarrollos lo mismo servirían para emitirse ahora que hace cinco años. Funcionarían igual si la factura técnica no les delatase. Con ‘Mira lo que has hecho’ no pasa esto, porque es una producción muy pegada al presente: a los padres actuales, a la relación y concepción de la familia, a las bases no siempre sólidas de las relaciones, a fenómenos como la viralidad o los youtubers. La excusa es narrar cómo se desenvuelven unos padres primerizos cuando tienen un hijo, pero la ambición final es mayor. Lo que nos quieren es hablar de la pareja, de los lazos de sangre, del trabajo, de esa barrera generacional entre los que tienen treintaymuchos y los millennial, que vienen a tomar el mundo…

Ha sido una sorpresa lo que Berto ha hecho con este producto, que nacía como comedia y se ha transformado en una dramedia con todas las letras. Posiblemente la primera que se hace en España siguiendo los criterios de la industria americana, que en esto de tele y series nos lleva un poco la delantera. Las dramedias (‘Weeds’, ‘The Big C’, ‘Nurse Jackie’, ‘Transparent’…) se camuflan en el humor para plantear casos duros e historias difíciles de digerir. Otro dato importante de este formato es la duración, ya que aunque plantee dramas de primer orden se suelen desarrollar en alrededor de 30 minutos. ‘Mira lo que has hecho’ cumple estas reglas no escritas.

Habrá quien se acerque a esta producción pensando en que se va a echar unas risas con Berto. Y, a buen seguro, si le gusta su humor acabará riéndose. Pero se decepcionará al comprobar que la idea no es asistir a un monólogo de Berto ni a una concatenación de chistes.

No es esa la intención de la serie y entiendo que haya quien se ha echado atrás a la hora de darle un vistazo pensando que no comulga con el tipo de diversión y acidez que plantea el colaborador de ‘Late motiv’. Pero se equivocará. Porque Berto se desenvuelve igual de bien en el trasfondo más dramático que en el puramente cómico. Y habla de la presión del éxito, del cambio que supone sobre todo para las madres tener un hijo, de la familia que a veces ata como un yugo. De todo esto habla, con gran sensatez, esta serie. Y ojo que se marca un episodio final capaz de poner un nudo en la garganta a cualquiera que haya pasado por una situación similar a la que vive en el episodio.

Berto se interpreta a él mismo aunque, por supuesto, no todo lo que cuenta es verídico. El personaje es un cómico, sí; es un actor, sí. Pero ni Eva Ugarte es su mujer ni ninguno de los familiares del personaje realmente lo son de Berto. Lo fácil hubiese sido hacer de sí mismo con complaciencia pero ha querido llevarse a zonas más incómodas que las que solemos estar acostumbrados. Porque esta serie pone al descubierto muchas miserias humanas. Y cuanto más incómodas más interesan y entretienen.

Qué inspirado está Berto, narrando el desconcierto y la desorientación de personas bien diferentes. Seis capítulos de menos media hora forman la primera temporada de este experimento bien llevado.

Por el momento hemos conocido a Berto y Eva, pareja que trata de sobreponerse a las noches en vela o a la falta de experiencia para gestionar crisis familiares. Y ofrecen una visión de la paternidad/maternidad no demasiado idílica. Ellos están estupendos, sobre todo un Berto que no puede ser más natural y creíble. Te lo crees siempre. Pero además a su alrededor nos han presentado otros roles buenísimos, como esos padres (de él) sacados del pleistoceno que con cada comentario provoca vergüenza ajena, o el otro padre, el de ella, estirado e incapaz de aceptar las decisiones que han tomado sus hijas.

‘Mira lo que has hecho’ es atrevida (en especial con algunos finales que quizá en otra tele les obligarían a eliminar o no incluir), es dinámica y es instructiva. Qué lujo. Será complicado que haya alguien que no se sienta identificado o tocado con alguno de los personajes que pueblan la producción: el agorero, el más gracioso, la más vital, la bohemia, el pesimista… No es necesario haber sido padre para emocionarse o valorar esta producción, porque trasciende más allá de todo eso. Berto ha llegado al mundo de las series para quedarse y los seriéfilos deberíamos estar contentos con este cambio de rumbo que ha dado.

Aunque es complejo pensar en referentes hay uno con el que es muy fácil de emparentar esta serie: con la que protagoniza y dirige Aziz Ansari para Netflix que, con la segunda temporada de ‘Master of none’, ha firmado su mejor trabajo. Por ahora. En su serie también se mezclan realidad y ficción (sus padres reales lo son también en la serie) y también se vende como una comedia cuando en realidad va mucho más allá.

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Yo no pido milagros. Es decir, yo no voy a pedir que la gala de los Goya sea corta. Ni que los que recogen premio hagan unos discursos de agradecimiento breves. Ni que se organice un buen número musical. No, nada eso pasa por mi imaginación. Pero qué menos que plantear un espectáculo correcto, con buen ritmo y algo de sentido de humor, un poquito cómo mínimo. Pues nada. De todo esto en la última ceremonia de los premios del cine español no hubo. Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes no tuvieron su mejor día chanante, y demostraron que lo que funciona muy bien en un determinado formato (programa de sketches) no tiene por qué funcionar en otro tipo de acto (una entrega de galardones). Conclusión: otra vez los Goya se hicieron largos y pesados… Sí, esta película ya la hemos visto. Pero los académicos se empeñan en ponérnosla año tras año. Faltan ideas nuevas. Yo sé que a los Javis ya no les quedan horas del día para nada pero quizá podrían proponer algo para la próxima edición. Que lo hagan y ya vemos.

Lo más sangrante de la ceremonia posiblemente fueron las reivindicaciones feministas. No porque no sean necesarias, que lo son y mucho, sino porque no surgieron en casi ningún momento con naturalidad, porque se intentaron encajar entre chistes malos y porque parecían que habían llegado a los Goya únicamente por el efecto arrastre de otras ceremonias (Globos de Oro, Feroz…). No todo fue malo, pero casi todo resultó mejorable. Y por eso llega la hora de plantear 25 preguntas sin respuesta que quedaron tras la ceremonia. Pasen y lean:

1. ¿Por qué ganó el premio a mejor película una película que no había sido valorada como la que tenía mejor fotografía, vestuario, música, dirección de producción o intérpretes?

2. ¿Por qué Isabel Coixet, cuando recogió el premio a mejor dirección, llamó gorda de una manera tan gratuita a la madre de Gustavo Salmerón?

3.¿Por qué no presentó la gala Julita, apoyándose en Bardem o en quien hiciese falta?

4. ¿Por qué son tan importantes las madres (la de Salmerón, la de Coixet, la de Javier Gutiérrez, la tuya, la mía)?

5. ¿Por qué se adaptó la altura de los micrófonos únicamente a Javier Gutiérrez?

6 ¿Por qué obligaron a Jesús Castro a improvisar durante medio minuto cuando todo el mundo sabe que no es su fuerte?

7. ¿Por qué castigaron a Pablo Iglesias en un cuartito aparte para ver la gala?

8. ¿Por qué Maribel Verdú nos representó tanto cuando los presentadores le gastaron una broma que ni ella ni su marido entendieron?

9. ¿Por qué no presentaron la gala Miren Ibarguren y Mariam Hernan, las musas, que fueron las únicas que interpretaron un sketch decente y dijeron esa frase ya mítica: “a hacer experimentos a ‘El hormiguero'”?

10. ¿Por qué obligaron a Emily Mortimer a conocer a Cárdenas, como si no fuese suficiente castigo aguantar la gala entera sin entender nada?

11.¿Por qué no se contrató a un locutor que supiese pronunciar correctamente ‘Estiu 1993’?

12. ¿Por qué no se cruzaron Najwa Nimri y Paquita?

13. ¿Por qué no presentó la gala Paquita con un guión, eso sí, un poco más trabajado y en un contexto en el que incluso los que no hayan visto su serie entendiesen el personaje?

14. ¿Por qué el monólogo más cañero sobre los problemas de las mujeres en la industria del cine se dejó para casi la 1 de la madrugada, momento en que la audiencia estaba dormida o rogando que se acabase ya aquel suplicio?

15. ¿Por qué al ministro le hizo gracia la siempre oportuna reivindicación de que se baje el IVA?

16. ¿Por qué nadie pensó en que la broma de los móviles por Perfectos Desconocidos ya no tiene gracia ninguna?

17. ¿Por qué contrataron como realizador al enemigo de todos los presentes que lo mismo los sacaba con el dedo en la boca que leyendo los prompters?

18. ¿Por qué no han denunciado los presentadores a quienes se les ocurrió la broma del chocolate en la boca o la del exceso de maquillaje en la cara?

19. ¿Por qué Cristina Castaño hizo de repente un monólogo de El Club de la Comedia?

20. ¿Por qué no presentó la gala David Verdeguer y dio besos a todos los presentes?

21. ¿Por qué a los políticos se les veía tan incómodos sujteando los abanicos?

22. ¿Por qué las escaleras las carga el diablo y Adelfa Calvo casi se deja la cara tropezando?

23. ¿Por qué la reivindicación a favor de Woody Allen fue lo más transgresor de la ceremonia?

24. ¿Por qué Leticia Dolera va repartiendo azotes allá donde vaya?

25. ¿Por qué presentaron la gala Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes con un guión tan pobre cuando todos sabemos lo mucho que pueden dar de sí?

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La relación de Andalucía y las series españolas no ha sido especialmente tranquila y amigable a lo largo de los últimos años. La polémica creada en torno al acento de los protagonistas de ‘La Peste’ –a la que más tarde volveremos- ha sido la última de unas cuantas en la que se ha visto envuelta esta comunidad autónoma, que no siempre se ha sentido cómoda y bien representada en los productos de ficción de nuestra televisión.

¿Existe una inquina contra esta región? Lo dudo. Lo que hay es falta de costumbre de encontrárnosla plasmada con naturalidad y sin topicazos en nuestras series. Por ello al espectador no andaluz le puede resultar extraño el acento y otras particularidades de la zona. Y por ello también -por no ser frecuente- los propios andaluces muchas veces no terminan de reconocerse en lo que ven en pantalla. No es algo que atañe exclusivamente a Andalucía. O si no pensemos en la cantidad de tramas que se incluyen en otros títulos ambientadas en Asturias, Extremadura o Murcia. Pocas, muy pocas, casi ninguna. Se habla mucho de los retos a los que ha de enfrentarse la ficción patria y quizá uno de lo más urgentes es la descentralización de las historias y la necesidad de mostrar realidades y peculiaridades propias de cada rincón de España. A ver si me explico.

Volviendo a Andalucía, no hace demasiado tiempo (en 2015) el estrenó ‘Mar de plástico’ en Antena 3 desató la rabia y la indignación de la población almeriense, al menos de sus representantes políticos que no se sintieron orgullosos de la visión que la serie reflejaba de esa tierra. El alcalde de El Ejido, donde transcurría la trama, manifestó su malestar por el “mensaje racista” que a su parecer ofrecía la ficción y que “no correspondía con la realidad de la provincia”. A él se unieron otros líderes de formaciones y corporaciones andaluzas censurando el retrato que mostraban.

¿Cualquier parecido con la realidad era pura coincidencia? No, pero los almerienses estaban poco acostumbrados a verse reflejados en un producto catódico de estas características y para una vez que eran protagonistas les fastidiaba que fuese en esa tesitura. Normal. Pero sus quejas eran incongruentes. Que se cuente un conflicto criminal y xenófobo que se desarrolle en Almería no quiere decir que todo en Almería fuese así. Porque eso es como decir que en Madrid (que es donde transcurren la mayoría de producciones nacionales) todo son robos (porque los hay en ‘La casa de papel’ y en ‘Apaches’, por citar dos propuestas recientes). Es como si Baltimore montase en cólera por la visión que ofrecía de ella ‘The Wire’, o Nueva Jersey lo mismo por ‘Los Soprano’.

Almería no es Baltimore ni Nueva Jersey, que han sido escenarios de ficciones audiovisuales en muchas más ocasiones. Ni falta que les hace. Almería hubiese preferido ser seleccionada para contar allí una historia de amor blanco, que les sirviese de postal para luego ofrecer eso que llaman ‘turismo cinematográfico’ últimamente. Les costó entender que no importaba tanto el argumento, que conviene no dejarse llevar por generalidades, y que aquello sería un buen escaparate. Y lo fue. Por eso al año siguiente con la nueva temporada, una vez se dieron cuenta del impacto positivo de la primera, estuvieron más receptivos. De todos modos, los andaluces venían calientes de antes y con razón. Aunque en esta ocasión su malestar no fuese tan acertado, habitualmente han tenido que soportar una imagen maniquea y plagada de tópicos respecto a su forma de ser y de vivir. Y si no recordemos ese personaje gracioso que sirve a los demás que aparece en tantos y tantos títulos, como la Juani de ‘Médico de familia’. Aquella también tenía acento, pero ese acento al parecer daba risa y no molestaba. Y en la misma línea estarían la cocinera de ‘Ana y los 7’ o el portero de ‘Aquí no hay quien viva’. ¿Por qué no puede ser un alto ejecutivo andaluz?

Precisamente ‘Mar de plástico’ pretendía ser más ambiciosa y presentar un abanico mayor de historias y personajes. Y en la misma línea fueron ‘Perdóname señor’ y ‘El Príncipe’ –esta última en Melilla-, aunque bien es cierto que todas coinciden en un argumento relacionado con la delincuencia y corrupción. El ejemplo de ‘Allí abajo’ tampoco serviría porque precisamente su leitmotiv es hacer humor con los tópicos de los andaluces frente a los de los vascos.

El reto, por tanto, está en que las tramas de todas las series no sucedan en Madrid y que cuando se trasladen a otras localidades no sea para destacar una idea manida. Por ejemplo, la Comunidad Valenciana solo aparece como estampa vacacional a la que acuden los protagonistas de la serie de turno, alimentando esa idea de ‘Levante feliz’. Si se cita a un aragonés raro será que no sea tozudo y si sale un vasco tendrá un acento fortísimo y levantará piedras a la mínima que pueda.

Alberto Rodríguez ya consiguió en el cine desprenderse de algunos estereotipos o falsas convicciones y sorprendió con una trama policiaca rodada en Sevilla y protagonizada, en su mayoría, por actores andaluces. ‘Grupo 7’ es un ejercicio soberbio que se quitó de encima no pocos prejuicios. Con ‘La Peste’ la apuesta ha sido mayor. Rodríguez se plantea hablar de temas universales y actuales, como la corrupción, la inmigración y el abuso de poder. Y lo hace a través de un relato del siglo XVI y en un lugar como Sevilla. La serie iba a hablar de la historia de esta ciudad, sí, pero quería que cualquiera (fuera de donde fuera) se sintiera interesado e incluso identificado con los protagonistas y las tramas. ‘La Peste’ habla de la condición humana (del sálvese quien pueda), de lo complicado que lo tienen las minorías, de las negligencias políticas. Pues bien, dígame quién no puede sentirse representado en estos asuntos, sea murciano, riojano o extremeño.

Se ha hablado del acento como un hándicap, aunque posiblemente se trate más de un problema de vocalización que de otra cosa. Pero vuelvo aquí a la falta de costumbre. Hay acentos de distintas regiones que según de donde seas cuesta más entenderse. Yo soy vasco y uno de mis mejores amigos es de Cartagena. La primera vez que hablamos apenas entendí ni su nombre. No pasa nada. Necesitamos escuchar más acentos de Murcia en nuestra televisión. Y de Almería, y de Cádiz, y de Cáceres, y de Lugo. Y así no nos resultará tan extraño. En lugar de neutralizar los acentos hay que visibilizarlos, lo cual enriquecerá los relatos. También en Gran Bretaña hay acentos y formas de pronunciar diferentes según territorios. Y en Alemania o en Estados Unidos. Eso da riqueza, no hay que esconderlo.

Y ya de paso no estaría mal la incursión de las otras lenguas del Estado, aunque esto sería ya la madre del cordero. Resultó chocante, por ejemplo, un capítulo de la última temporada de ‘El Ministerio del Tiempo’ en el que Amalia viaja a Barcelona y se encuentra con sus familiares y apenas intercambia con ellos unas palabras en catalán, cuando es su lengua habitual. Precisamente en esta serie muchos historiadores han echado en falta que se bucee más en la historia y conflictos de diferentes comunidades. Pero claro para ello el espectador ha de estar preparado, porque son temas que nos guste o no siguen levantando ampollas. Ahí las series tienen un reto y quizá un propósito futuro, servir de elemento unificador y visibilizador. Eso sería estupendo.

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Solo en Estados Unidos se estrenaron en 2017 casi 500 series, un número elevado que, además de otras lecturas, permite valorar la importancia que este formato ha adquirido. Las series son ahora mismo el referente cultural y social más representativo (al menos en cuanto a alcance) de nuestra sociedad. Se citan, generan conversación, se las investiga, llegan a masas, tratan temas variopintos… (Casi) todo pasa por las series. Y lo que no pasa debería.

En el libro de Dominique Moïsi (de Errata Naturae) ‘Geopolítica de las series o el triunfo global del miedo’ se analiza este fenómeno y se llega a conclusiones importantes que demuestran la relevancia que han tomado unos productos que hasta hace nada solamente eran ideados como mero entretenimiento. Ahora no. Ahora van más allá. “Comprender el mundo de las series supone comprender el mundo actual”, asegura este autor.

¿Sirven las series para entender el mundo? Definitivamente sí. Y prueba de ello es que un repaso a un buen número de títulos de 2017 permite resumir el año de un modo fehaciente. No sucede con el cine, empeñado en lo paranormal y en los superhéroes, ni con la literatura, que tiene un calado social más escaso. Las series se han dado cuenta de su poder y alcance y lideran discusiones y tendencias. A veces cuesta discernir, no obstante, si fue antes el huevo o la gallina. Por ejemplo, nadie duda de que 2017 ha sido el año de las mujeres, del empoderamiento, de la denuncia. El movimiento feminista ha logrado una visibilidad gigante, gracias a la que se cuela en los medios y acapara la atención de toda clase de públicos. Pues bien, televisivamente hablando también ellas han sido las protagonistas. Cabe preguntarse si ha sido la tele la que se ha percatado de la presencia femenina cada vez más vinculante y relevante en la sociedad, no ha querido perder la oportunidad y se ha sumado a su lucha con el fin de sacar otros réditos. O si tal vez ha sido la tele una adelantada, les ha concedido la voz, el espacio y estatus que merecen y esto ha servido para concienciar y de paso situarlas en un escaparate desde el que han podido normalizar sus luchas y diferencias e intentar pelear por sus derechos y libertades. Lo mejor será situarse en un punto intermedio, repartirse méritos.

Para comprender a la mujer de hoy en día hay que ver series. Mucho se ha hablado de producciones como ‘El cuento de la criada’ (porque sirve para plantear debates actuales como la pérdida de derechos o la gestación subrogada), ‘Big Little Lies’ (que expresa como pocas los beneficios de la sororidad y trata un tema tristemente preocupante hoy en día como es el del maltrato), o ‘Feud’ (que denuncia la rivalidad a la que se somete a las mujeres), pero existen otras féminas de serie. Hubo un tiempo en que ellas para ser protagonistas debían tener alguna anomalía o excentricidad (los tiempos de ‘Weed’, ‘United States of Tara’ o ‘Nurse Jackie’). Ya no es necesario. El mundo está plagado de mujeres con voz propia e interesante. Las series las representan (y ‘Girls’, ‘Better things’, ‘Smilf’ son buena prueba de ello) y al público le interesan.

Nombraba antes 2017 como el año de la denuncia. Numerosos afectadas (en su mayoría han sido mujeres, aunque también ha habido hombres) relacionadas con la industria de Hollywood han destapado los abusos que se cometen entre bambalinas y han puesto de manifiesto cómo la industria se ha dedicado a mirar hacia otro lado. Para entender el modo en que se desarrollan estas situaciones de acoso y el modus operandi de estos depredadores conviene repasar dos episodios de series recientes, que se emitieron antes de que comenzase a darse a conocer casos como el de Harvey Weinstein y esto propiciase un efecto dominó.

En el pasado mes de febrero ‘Girls’ emitía el episodio ‘American Bitch’ que denunciaba la manera en que se utiliza el poder para acosar, y mostraba el sentimiento de incredulidad, negación y culpa que experimentan muchas mujeres que lo han padecido o que incluso han accedido a situaciones abusivas, y que tardan siglos en atreverse a delatarlo. Hollywood aún no había estallado con este asunto pero Lena Dunham ya planteaba con un capítulo incómodo que los acosadores pueden ser hombres exitosos y que pueden vestir con piel de cordero. Que existen técnicas cotidianas para convencer y para confundir con el consentimiento. Que prevalece una mirada cómplice de la sociedad con este tema. Pues eso, comprender el mundo de las series supone comprender el mundo actual. Ese momento final de la protagonista (no lo cuento para que vayan corriendo a verlo) levantó suspicacias y generó controversia. Y luego pasó lo que pasó. Se anticipó, o simplemente lo describió. Como lo hizo Aziz Ansari en ‘Master of none’, que introdujo entre los nuevos personajes de la segunda temporada a un directivo de televisión triunfador y buenrollero aparentemente pero que aprovecha su posición dominante para abusar de mujeres que están a sus órdenes. El protagonista de la serie se veía ante la tesitura de condenarlo o hacer la vista gorda. Cuando se estrenó el episodio hubo quien no entendió la inclusión de este personaje y que lo veía metido con calzador. Meses después el capítulo servía para ilustrar la realidad. ¿Poder anticipatorio? No, simplemente el guionista sabía leer esa realidad y plasmarla. Las series se lo permitieron.

Si Moïsi en el ensayo de Errata Naturae se sirve de títulos como ‘Juego de tronos’, ‘House of cards’, ‘Occupied’ o ‘The Americans’ para analizar la crisis de los refugiados o el fenómeno del populismo, otros podrían hacer lo mismo para hablar de las reivindicaciones de las personas transexuales (‘Transparent’), del bullying (‘Por trece razones’), de los excesos del capitalismo (‘The Deuce’). No hablamos de adoctrinar. Las series actuales plasman realidades, a veces toman partido y otras no y eso les dota de gran riqueza, no solo para el que acude a ellas por divertimento sino también para el que necesita un documento-retrato del sistema actual y sus enfermedades. “El objetivo de las series era el de divertirnos sin más, sacarnos del aburrimiento de nuestro día a día para que pudiéramos identificarnos con las aventuras de personajes maravillosos o, en todo caso, excepcionales, personajes que a menudo se convertían en una versión idealizada de nosotros mismos. Ahora el discurso se ha vuelto más sombrío y los personajes más negros”, afirma el autor. Para comprender el mundo que ha votado a Trump hay que ver ‘American Crime’. Para comprender los problemas raciales que siguen imperando en nuestra sociedad hay que ver ‘Show me a hero’. Para comprender el individualismo del que somos víctimas hay que ver ‘The Leftovers’. Aunque comprender, lo que se dice comprender, se comprende poco en este título… Pero se intenta.

Pero no es preciso solo referirse a los grandes temas políticos y sociales, las series también dan la posibilidad de comprender micromundos, pequeñas realidades con las que convivimos, de reconocernos en ellas, en lo que cuentan y cómo. Los protagonistas ahora son egoístas, fracasan, tienen miedo, dan miedo. Son de carne y hueso y no ángeles. Afortunadamente ‘Autopista hacia el cielo’ terminó.

No creo que nadie a estas alturas necesite un motivo más para acercarse a las series, pero el de comprender lo que sucede a nuestro alrededor sería uno encomiable.

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La oferta de series es cada vez más amplia por lo que es imposible para cualquier seriéfilo mantenerse al día. Menuda obviedad he venido a contar. Es eso o renunciar a vivir. Y no es plan. El calendario de estrenos se plantea como una locura, con cinco o seis propuestas nuevas cada semana, por lo que hay que aprovechar fines de semana o puentes, como este, para ponerse al día con los títulos pendientes y hacer polvo plataformas como Netflix o HBO, que no dejan de cargar sus catálogos.

The Crown 2

 
Antes de ocuparse de producciones de las que se ha hablado en los últimos días conviene adelantarse con la que va a generar más discusiones en los días próximos. Su estreno es el viernes 8 de diciembre y llega precedida por una primera temporada en la que se convirtió en una sorpresa. Y es que a priori la historia que planteaba este título, la de Isabel II de Inglaterra, carecía de interés por haber sido ya mil veces retratada y contada en cine y televisión. Sin embargo el acierto de ‘The Crown’ fue mostrar a una reina vulnerable, sacudida por los conflictos y las inseguridades, que raramente habían sido puestas al descubierto. Esto no evita, no vayan a creerse, que la serie termine rendida ante una reina todopoderosa. Sí, esta vez vuelve a pasar. Pero al espectador no le importa porque saben cómo conducirle y hacerle cómplice de ese mismo sentimiento. La segunda temporada (la última con Isabel II joven) propone nuevos escollos en la vida de la monarca británica e indaga en su relación con el matrimonio Kennedy.

The Deuce

 
De los grandes creadores de esta era seriéfila en la que estamos David Simon es el único que ha sabido mantener una línea coherente y permanente con sus trabajos. No ha pasado con David Chase, ¿qué ha hecho después de ‘Los Soprano’?; ni con Matthew Weiner, ¿qué sucedió tras ‘Mad Men’? Ni con muchos otros. El autor de ‘The Wire’ viajó después a Nueva Orleans para presentar a una sociedad vapuleada por el huracán Katrina que trata de sobreponerse apoyándose en la música. Cambiaba Baltimore por la capital de Luisiana para mostrar conflictos sociales del mismo cariz. Después llegó ‘Show me a hero’, de nuevo en HBO, que incidía en los problemas raciales que azotan a Estados Unidos a través de un hecho real. Su último trabajo es ‘The Deuce’, en la misma cadena y compuesta por ocho episodios, que viaja al Nueva York de los años 70 y 80 para explorar en el nacimiento de la industria del porno. Y lo hace planteando un excepcional abanico de personajes que pululaban por el Times Square de la época. Putas, yonkis, chulos, camellos, camareras y dueños de garitos. Sí, esta historia ya te la han contado. Pero Simon es capaz de recontarla. Y lo hace para entrar en un mundo, en el del porno, menos visitado y sobre todo cuando sirve de excusa para reflexionar en torno a cómo se han aproximado a esta realidad hombres y mujeres. La primera temporada sienta las bases, encandila con sus personajes y deja con ganas de más.

The Sinner

 
Es la que tiene unas características más propicias para darse un atracón. Visto un capítulo es imposible no querer disfrutar (es un decir) del resto. Son ocho y funcionan como un rompecabezas en el que el espectador ha de tratar de reunir las piezas para descubrir qué le lleva a una mujer con una vida aparentemente idílica a cometer un acto atroz. ¿Qué le empuja a actuar movida por la ira? ¿Por qué no puede controlarla? Basada en una novela alemana de Petra Hammesfahr la producción trata de reflejar las consecuencias que puede acarrear una educación absolutamente opresiva. A través de un policía, que también vive su propia angustia interior, la joven recuerda un suceso determinante que marcó su existencia y el modo en que acabó metida en él. A su lado su marido se dará cuenta de que ha estado conviviendo con una perfecta desconocida. Y ahonda así en la idea de que nunca terminamos de conocer a la persona con la que dormimos al lado.

Stranger Things 2

 
Si a estas alturas del curso todavía hay personas que no han visto la continuación de la serie de los hermanos Duffer estos días son la ocasión perfecta para saldar cuentas. O tal vez no. No hay obligación de pasar por este trámite, porque ‘Stranger Things’ no es esa serie de obligado visionado que resulta imprescindible que uno vea tarde o temprano. No lo es. Y no lo era en su primera temporada. Fue un entretenimiento extraordinario, una obra bien pensada para divertir a públicos de todas las edades, un producto ideado para despertar placeres culpables o no. Y la segunda temporada, para bien y para mal, sigue siendo más de lo mismo. Nos reencontramos con la pandilla original que se enfrentan otra vez a sus monstruos, los propios del paso de la infancia a la adolescencia, y los exteriores, que llegan a atacarles desde otra dimensión. Volvemos a temer por Will, volvemos a solidarizarnos con Winona y volvemos a emocionarnos con Eleven, aunque en esta ocasión esté mucho más antipática. ‘Stranger Things’ funciona a la perfección como serie de fin de semana para consumir, disfrutar y olvidar. Y eso es bueno, aunque no suena tan bien. Debe haber productos de todo tipo.

Easy

 
Reivindico mucho esta serie que Netflix estrenó hace un año sin hacer ruido y de la que acaba de traer nuevos episodios para que vuelvan a pasar desapercibidos. ¿Por qué? Nadie lo sabe. Por lo que sea a la plataforma le conviene producir este título para hacer bulto pero luego no gasta energías en advertir al gran público de que está ahí. La primera temporada mostraba una cadena de historias entre parejas, sin apenas conexión entre ellas, que pretendían retratar de un modo ‘easy’ (perdón, era evidente) distintos tipos de relaciones. Desde la pareja que se acaba de conocer hasta la que lleva un tiempo junta y la rutina o los niños le impiden satisfacerse como antes. Son pequeños relatos dibujados con sencillez y que funcionan como pequeños cortos. Algunos convencen más y otros menos. Son dosis para consumir entre horas, entre serie y serie, un buen complemento para otros títulos más profundos. Relaciones abiertas, nuevos modelos de familias y convivencias irregulares entre padres e hijos se dan cita en las nuevas entregas.

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Existe un cine que te hace soñar y otro que te introduce en sueños. En esta segunda categoría se inscribe el trabajo de David Lynch. Toda su filmografía son sueños imposibles, sueños turbios, sueños decadentes, sueños terroríficos, sueños estimulantes, sueños esclarecedores. Pesadillas. El sueño del hombre elefante, el del planeta imaginario, el de la oreja cortada, el de la huida constante… Películas en fase REM.
 
Freud interpretó el sueño como el camino real hacia el inconsciente. Van Eaden acuñó el término ‘sueño lúcido’ para describir a aquellas personas que tienen cierto control para intervenir mientras duermen. Carl Jung consideraba que los sueños servían para compensar aquello que no desarrollamos despiertos. Todo esto está en el universo de Lynch. Realidad y mundo onírico dándose la mano y peleándose. El director norteamericano nos ha tumbado muchas veces en el diván.Y luego nos ha costado levantarnos.
 
Hacer televisión nunca fue un sueño para este realizador, pero la insistencia de algunos entusiastas de títulos como ‘Blue Velvet’ y la colaboración con Mark Frost le animaron a llevar su mundo a otra pantalla y se estableció así una relación plagada de altibajos. Como debe ser cualquier relación viva, por otro lado. A Lynch le preocupaban las imposiciones, y el no conectar con ese público, y los anuncios. Los quebrantadores de sueños. En contra de todo pronóstico hizo una maravilla, ‘Twin Peaks’, una serie enormemente provocadora y diferente con la que nadie soñaba en los años 90. La historia la conocemos. Engatusó a los mandamases de la cadena ABC diciéndoles que iba a narrar el caso de una joven asesinada en un tranquilo pueblo y terminó realizando una fábula sobre el bien y el mal, sobre la culpa, sobre el destino, sobre los deseos truncados. Y aquello terminó como un mal sueño.

Lynch despertó sobresaltado. Se enfadó. Apagó la tele. Regresó a la otra pantalla, la grande, la que en aquella época dotaba de más libertad a los creadores. La disfrutó hasta 2006. Desde entonces su cine ha permanecido dormido. Y él se ha dedicado a imaginar mundos en otros soportes. No fue un trastorno del sueño, sino un traslado.
 
La tele cambió, eso ya lo saben. Vinieron ‘Los Soprano’-‘The Wire’-‘A dos metros bajo tierra’-‘Perdidos’-‘Mad Men’-‘Breaking Bad’-‘Juego de Tronos’-etc, etc, etc. Lo de la edad de oro. Y todo el mundo mentaba a Lynch como precursor. Y soñaban con que volviese a un medio que tanto le debía y en el que existía ahora una tesitura más favorable para desplegar su manera de narrar.

 
Le retaron. Lo hizo Showtime. Hubo dimes y diretes. Pero ‘Twin Peaks’ regresó, con 18 capítulos. “Vivimos dentro de un sueño”, confiesa en los episodios finales el agente Cooper. No esperábamos menos los seguidores. Volvió Cooper y con él todo el abanico de personajes que poblaron Twin Peaks. Y otros muchos, algunos con nombre, otros sin; algunos oriundos del pueblo y otros no. Hace tiempo que Twin Peaks dejó de ser únicamente la denominación de una localidad para convertirse en un concepto. Lynch lo sabe y por eso esta tercera y tardía (25 años después) temporada se ha ubicado en localizaciones diversas, Dakota del Sur, Las Vegas…
 
Volvamos al principio de este sueño. ¿Nos merecemos a David Lynch? Quiero pensar que sí. Ha vuelto a hacer algo que nadie esperaba, que no es habitual, que se sale de convenciones, aunque la repercusión ha sido menor de lo que se esperaba. Se habló mucho más del retorno de la serie durante la grabación que mientras se ha emitido. Era verano, sí, ya. Todo era ‘Juego de Tronos’, ya. Ha sido rara, ya, ya. Quizá se tarde en valorar las vueltas de tuerca que ha dado. Ya pasó una vez, no sería extraño que la historia se repitiera.
 
Lynch ha firmado un trabajo excelente, capaz de estimular mentes, de entretener, de retratar los cambios que ha vivido la sociedad en las últimas tres décadas. Ha provocado que se formulasen una ristra considerable de teorías sobre lo que pretendía contar, y no tengo claro que él haya sido consciente de todas ellas mientras rodaba. Ha habido dobles, tulpas, entes sobrenaturales, dimensiones desconocidas. No ha faltado de nada.

 
En contra de lo que pudiéramos temer, Lynch tenía algo que aportar y no se agarró a un éxito pretérito y lo estiró malamente. No. La nueva ‘Twin Peaks’ nos ha explicado por qué sucedió la antigua ‘Twin Peaks’: dónde y cómo se originó todo. Nos llevó al antes de Laura Palmer, al durante y al después. Incluso se atrevió a soñar con que nada hubiera ocurrido como tal. Además resolvió algunas tramas que quedaron abiertas. Algunas fáciles de cerrar (como la relación de Ed y Norma o la de Bobby y Shelly) y otras que eran más complicadas de llevar a buen puerto (como la de Bob o la del agente Cooper invadido y duplicado por una fuerza sombría).
 
La nueva ‘Twin Peaks’ nos ha contado qué pasó con los protagonistas de las dos primeras temporadas: Lady Leño, los agentes del FBI, el sheriff y sus ayudantes, las camareras, el chico rebelde, la chica díscola, el psicólogo, la loca de las cortinas, el pescador, el del hotel, el gigante, el enano. Han aparecido de repente. A veces hemos querido más. Como cuando nos despertamos de un sueño y volvemos a cerrar los ojos para intentar seguir soñando, pero no lo conseguimos. A veces han surgido en entornos y situaciones que no reconocíamos. Como cuando soñamos con personas que conocemos pero que hacen o dicen cosas que no tienen nada que ver con ellos mismos en la vida real.

La nueva ‘Twin Peaks’ ha presentado roles nuevos y ha puesto rostro a otros de los que habíamos oído hablar. Como la inquietante Diane, que en los 90 se escondía tras una grabadora y ahora hemos sabido que mantenía una relación turbulenta con el agente del FBI. O la familia y el jefe de Dougie Jones, que han vivido el sueño de reinventarse de nuevo. O los hermanos Mitchum, capaces de cumplir los sueños de cualquiera. O Judy, el monstruo de las pesadillas.
 
La nueva ‘Twin Peaks’ ha desembocado cada semana en el Roadhouse, donde esperábamos que tocase Julee Cruise. Y hemos tenido que aguardar hasta el desenlace para verla subir al escenario. Y mientras tanto hemos disfrutado con Chromatics, Au Revoir Simone, Trouble, Nine Inch Nails o Lissie, entre otras muchos artistas que componen una banda sonora sobresaliente.
 
“Nos veremos cuando caiga al telón”, le dijo Cooper a Diane, emplazando, quién sabe, a un nuevo ‘Twin Peaks’. ¿Cuánto tendremos que esperar esta vez? El final transcurrió entre carreteras perdidas. Gracias por eso, Lynch. ¿Presente? ¿Pasado? ¿Futuro? Qué más da, la historia se repite. “El pasado dicta el futuro”, sentenció Cooper. Y creo que esa es la mejor síntesis que se puede hacer de la temporada. Buenas noches. Dulces y envolventes sueños.

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