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Que el regreso de una serie que se estrenó hace 27 años sea el acontecimiento más esperado de lo que va de temporada debería hacernos reflexionar. Pero si la serie en cuestión es ‘Twin Peaks’ la cosa cambia, porque estamos hablando de un título que quizá se adelantó 27 años en estrenarse y que es más propio de la época actual que de la que fue programado. Por atrevido, por inaudito, por renovador. Un Lynch muy inspirado creó en los años noventa un producto que desconcertó al espectador, que cambió las reglas del juego en televisión y que demostró que el formato serie podía dar mucho de sí. El tiempo le ha dado la razón. Y el tiempo se rinde ante él y lo ha traído de vuelta. Ahora falta ver si las nuevas entregas de esta producción (serán 18) están a la altura de las anteriores y, sobre todo, de las expectativas creadas. El domingo -el estreno en España pillará a las cuatro de la madrugada- se descubrirá el enigma.
Se puede ser testigo de este acontecimiento de muchas maneras, es posible vivirlo de formas diferentes. Solo, en pareja, montando una fiesta. En una casa en la montaña alejado del mundanal ruido o entre los sonidos propios de la gran ciudad. El síndrome de Darrin, en su afán de servicio público, propone ocho posibilidades para recibir los capítulos inéditos de ‘Twin Peaks’.

1. Con un atracón de tarta de cerezas y donuts

Además del café, el agente Cooper cayó rendido por la tarta de cerezas que se servía en el pueblo, en especial en el Double R Diner. Existen miles de recetas en internet sobre cómo prepararla, pero si supone mucho esfuerzo cocinarla siempre se puede sustituir por un surtido de donuts como los que compraba Lucy para recibir al sheriff en la comisaría.
 

2. Con un leño entre brazos

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Todos echaremos de menos a Lady Leño que no podrá estar presente en los nuevos episodios de la serie porque la actriz que la interpretaba, Catherine E. Coulson, falleció. Para rendirle tributo se podría ver los capítulos con un leño entre los brazos e ir preguntándole dudas sin parar. No hay que tener miedo en preguntar.
 
3. En una habitación roja

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Si hay un espacio onírico por excelencia ese es la habitación roja de ‘Twin Peaks’, una especie de sala de espera de no se sabe bien qué. El gigante, el enano, una resucitada Laura Palmer se daban cita en un lugar en el que podía suceder de todo. ¿Existe un escenario mejor para disfrutar de un trabajo de David Lynch?
 
4. Grabe sus impresiones en una grabadora

 
 
 
 
 
 
 
 
Si por distintas circunstancias le toca ver los episodios solo y no tiene con quien comentar las impresiones que le provocan puede usar una grabadora para narrar todo lo que pase por su cabeza. Elija a quién se lo cuenta, alguien como Diane, aquella secretaria del agente Cooper a la que tal vez pongamos rostro esta temporada.
 
5. En una fiesta travesti

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
David Duchovny ha interpretado en televisión varios papeles memorables, como los de ‘Expediente X’ o ‘Californication’, pero el que desempeñó en ‘Twin Peaks’, pese a ser muy breve, quedó en la memoria seriéfila. Tanto que en la nueva tanda de capítulos hará acto de presencia. El actor daba vida a Dennis o Denise, un detective que se traviste en algunas ocasiones, al principio por razones laborales y más adelante por placer personal. Un homenaje al personaje puede ser una estupenda manera de volver a sumergirse en el universo Lynch.
 
6 Una banda sonora que crea atmósfera

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Con el fin de crear la atmósfera propicia para conocer lo que les sucedió a los habitantes de la localidad del estado de Washington lo aconsejable es escuchar los días previos los temas que Badalamenti compuso para la serie. No pueden faltar las canciones que entonaba Julee Cruise, entre ellas la célebre ‘Falling’.
 
7. Descorra todas las cortinas de casa

 
 
 
 
 
 
 
 
No tenga miedo por lo que pueda haber fuera (ni siquiera si son lechuzas que vigilan). No le de verguenza que lo espíen. No tiene nada que ocultar. Descorra sus cortinas para que todos sus vecinos sepan que se dispone a ver lo nuevo de ‘Twin Peaks’. Si quiere seguir una ceremonia para hacerlo, recuerde lo bien que se le daba a Nadine esta tarea.
 
8 Vigile quién pueda colarse en su interior

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Nunca se sabe quién puede estar cerca acechando con intereses turbios. Manténgase alerta por lo que pueda suceder. Conviene tener bien aseado el interior por si se cuela algún ser que le impida disfrutar de lo que viene por delante y le mueva a cometer actos de los que pueda arrepentirse en otro instante.

Movistar que tiene los derechos de emisión en España de la serie emitirá el domingo una programación especial dedicada a este fenómeno y al propio director. Una vez se estrenen los capítulos convendrá reposarlos, meditarlos, volverlos a ver y debatir sobre ellos. Eso será lo que se haga en Rambleta el día 24 de mayo desde las 20 horas. Se proyectarán los dos primeros episodios y a continuación los comentarán los agentes del LIS, entre los que me encuentro. Que Lynch nos coja confesados.

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En el interesante libro ‘La vejez desconocida’ se explican algunas claves que ayudan a entender el tratamiento de los personas mayores y de la vejez en general en las series de televisión. “La vejez se expresa como una ausencia de juventud; se tiende a estudiarla sólo en términos de pérdidas, no subrayando los aspectos positivos ni enfocándola como una vejez productiva”, señala el ensayo.

¿Quién quiere a un viejo en televisión? Nadie, si es que nos guiamos por lo que observamos de ellos en la pequeña pantalla. Porque muchos programas y series se han empeñado en realizar una proyección de las personas con más edad como poco interesantes, pasadas de moda y sin nada que aportar. Todos somos mayores, todos vamos caminos de serlo, pero la tele suele obviarlo. “En los medios de comunicación se muestran pocas imágenes positivas. Los anunciantes y trabajadores del marketing se centran en la franja joven y eso repercute en películas, series de televisión o publicidad”, indica el estudio. La tendencia es a pensar que al público más joven, que suele ser el que reclaman los anunciantes -el target comercial-, no le despiertan interés las historias protagonizadas por personajes adultos. Y por ello se les adjudican papeles secundarios o clichés.

Otra tendencia de las series –sobre todo las españolas- es la de infantilizar las tramas adultas. En lugar de abordar los problemas e inquietudes propias de personas de más de 50 años (por fijar una barrera de edad) se les escriben guiones más propios de roles jóvenes. Así en lugar de apostar por temas como los retos laborales, los miedos o los cambios físicos que se producen en la vejez, lo habitual es que los adultos de las series terminen implicados en amoríos alocados y en situaciones absurdas originadas por malosentendidos. De esa manera se considera que al menos los espectadores de cualquier edad se sentirán identificados. Porque hay otra tendencia, la de creer que solo consumimos títulos que hablen de nosotros y de lo que nos rodean.

Esto no es algo nuevo. Ni solo propio de la televisión, ni mucho menos. Por ejemplo, en la gran pantalla el éxito de ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ sorprendió a casi todo el mundo porque nadie confiaba en que un relato en torno a dos mujeres mayores llamaría la atención de toda clase de espectadores. Y fue así. Bette Davis y Joan Crawford experimentaron un insólito éxito gracias a aquel título. Esta historia ha sido recordada en los últimos meses gracias al estreno de la serie ‘Feud’, que fija su mirada en estas actrices, en su enemistad y en los años finales de su carrera. Y en algo más: en la forma en que la sociedad y los responsables de los estudios cinematográficos tratan a sus estrellas cuando estas cumplen años. Dejan de llamarlas, las desprecian o las encorsetan en papeles sin ningún tipo de relevancia.

Luego existe un problema añadido, que también se puede observar muy bien en esta producción, y es que si eres mayor y mujer todavía resulta más complicado recibir atención y buenos papeles. “Se asocia juventud y belleza, lo que mueve a decir que ‘los hombres maduran y las mujeres se hacen viejas’. Se estudia el proceso desde una visión muy masculina, con la consiguiente doble discriminación para las mujeres de edad y sexo”, apuntan en el libro ‘La vejez desconocida’. ‘Feud’ da la razón a esta máxima. En la serie comprobamos cómo los directivos y otros satélites alrededor tratan de malmeter entre las dos protagonistas para conseguir que se peleen y se echen los platos a la cabeza, dando por sentado que dos mujeres adultas solo puede relacionarse entre ellas librando peleas de gatas y no es posible que mantengan una relación cordial.

Susan Sarandon y Jessica Lange, dos actrices mayores, han podido gracias a esta producción encontrarse con unos papeles atractivos, que abordan problemas de la edad y que sirven para analizar el modo en que la sociedad arrincona según se cumplen años. La serie, pese a centrarse en dos personajes adultos, puede atraer a cualquier público. No es común esta característica. Los mayores en las series suelen ser los padres de los protagonistas o servir para escenas de relleno. Hay excepciones, sí, pero por regla general el foco se pone en intérpretes más jóvenes. Y si no sólo debemos recordar los elencos protagonistas de títulos como ‘Perdidos’ o incluso ‘Juego de Tronos’.

Cuesta mucho encontrar a personajes mayores de largo recorrido. Pero haberlos haylos. Ahí está por ejemplo Ruth Fisher, la fantástica madre de ‘A dos metros bajo tierra’ que además de ser madre tenía unas cuantas caras más. La serie exploraba su sexualidad, su relación con sus amigas y la aceptación de sí misma con toda una vida detrás. La producción, lejos de plantear la vejez como el cénit de una trayectoria vital la dibuja como una época con situaciones complejas pero en la que todavía pueden suceder multitud de cosas y algunas por primera vez (con experimentar con las drogas o lanzarse a asuntos amorosos). La vejez como una etapa de oportunidades, en la que uno ya se ha afrentado a todos sus miedos y está más dispuesto que nunca a asumir riesgos. Esa es otra visión interesante, pero que no es frecuente que la pantalla la aborde. O nunca como se ha hecho en ‘Transparent’. Qué magnífica excepción es este título protagonizado por Jeffrey Tambor.

‘Transparent’ apuesta porque nunca es tarde y narra la historia de un hombre maduro que una vez se jubila decide a sí mismo como mujer, algo que hasta ese momento no se ha atrevido a hacer y que está dispuesto a llevar a cabo, pese a los prejuicios de la sociedad y la sorpresa de sus tres hijos. Pocos actores avanzados de edad se han topado con papeles tan estimulantes como el que ofrece Morton/Maura. Y pocos pueden atrapar más al espectador. No se trata de la edad, sino de la trama. ‘Transparente’ lo demuestra. 

ABC acaba de estrenar ‘The Good Fight’ y uno de los aspectos que llama la atención es que la protagonista es una mujer de edad avanzada que debe reinventarse en el ámbito laboral. Diane Lockhart sigue siendo competente, eficaz y ejemplo para otras compañeras. Los guionistas no la han dibujado como alguien que agota sus últimos cartuchos sino como una profesional que cuenta con experiencia y le queda un largo recorrido. La experiencia (y la dependencia del trabajo porque no saben qué hacer en otros aspectos de su vida son características recurrentes en algunas tramas, como se puede ver en personajes de ‘The Missing’ o ‘Homeland’).

La arruga es bella, pero por lo visto no queda bien en pantalla. Para encontrar títulos únicamente protagonizados por actores mayores debemos echar la vista atrás hasta ‘Las chicas de oro’, que se centraba en cuatro mujeres que adultas deciden compartir casa juntas. Un raro ejemplo en la actualidad es ‘Grace & Frankie’, que trata sobre dos mujeres con una edad cuyos maridos les confiesan que son homosexuales y que desean iniciar una relación entre ellos. Las dos han de asumir este escenario, el cual les obliga a reinventarse en la vida.  

Negar la vejez es como negarse a uno mismo, puesto que esta es una etapa por la que todos hemos de pasar. ¿Por qué se obvia? Porque se da por hecho que es un momento en la vida al que nadie quiere llegar y hay responsables de televisión que abogan por no exponer a nadie a sus mayores temores. Por eso vemos tantas abuelas divertidas y abuelos entrañables, porque son dos imágenes de la vejez que no amargan a nadie, con las que casi todo el mundo está conciliado y que no espantan. Pero no se suele ir más allá. Esos abuelos no se excitan ante nada, esos abuelos no desean, esos abuelos no sueñan, esos abuelos no son capaces de sorprender. 

La marginación de todo lo que tenga que ver con envejecer es uno de los retos de esta sociedad. La televisión puede sentarse a esperar que esto ocurra o ir adelantándose y planteando títulos que demuestren otras caras de la vejez, menos explotadas. Es un reto. De este tema se hablará en la charla organizada en Las Naves el lunes 15 de mayo, a las 18.30 horas, dentro del Festival 10 Sentidos que este año tiene como lema ‘PorMayores’, en la que participarán los actores Juan Gea (El Ministerio del tiempo), Empar Ferrer (Amar en tiempos revueltos) y Lola Moltó (L’Alqueria Blanca). Tres intérpretes de distintas generaciones que hablarán de edades y de roles y tramas adultas.

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La necesidad de poner etiquetas a todo y de recluirnos en guetos o en círculos bien señalizados suele provocar que nos autoexcluyamos de muchas fiestas en las que creemos que no estamos invitados (y de las que podríamos haber sido los reyes) y de probar algunos platos que rechazamos solo por su aspecto (y luego están deliciosos). Este reduccionismo, este sentimiento imperioso de catalogarlo todo también se suele aplicar a las series. A menudo escuchamos rechazar diferentes títulos alegando que son para chicas, o para chicos, o para jóvenes o o para más mayores. Así de simple, sin darle mucha más oportunidad.

Lógicamente la mayoría de producciones suelen tener un público objetivo (Netflix es experto en buscarlo mediante sus ya famosos algoritmos), son un tipo de espectadores que se rigen por diferentes criterios y gustos que determinarán los probables productos que les vayan a agradar. Pero esta selección no tiene que estar necesariamente vinculada al género, a la edad o a la opción sexual de cada cual. Eso es reducir todo demasiado, simplificar, incluso tener prejuicios. Es decir, te puede gustar ‘Sexo en Nueva York’ aunque seas hombre, es posible que te interese ‘Looking’ pese a no ser gay, y no es preciso generar testosterona para que te agrade ‘Sons of anarchy’.

Las verdaderas buenas series están por encima de si sus protagonistas son principalmente hombres o mujeres y de con quién se acuestan. Al final lo que importa es que cuenten una buena historia. Cuando no pasa eso y solo se reduce a tópicos asociados con lo femenino o con lo masculino no es que la serie sea para chicos o para chicas, es que la serie es mala. Sin más.

Estos prejuicios lo único que pueden causar es que alguien se pierda una serie (como la fiesta que citábamos antes o el plato) que seguramente le fuese a aportar mucho más de lo que imagina. Estas reticencias se suelen enmascarar con el argumento de que no es un producto con el que uno se identifique. ¿Y qué? ¿Qué necesidad hay de identificarse con todo? Puedes estar enganchado a ‘The Walking Dead’ o ‘True blood’ y no sentirte identificado con zombis o vampiros. Excusas.

La identificación está sobrevalorada y muchas veces mal localizada. Porque en ocasiones hay que tener mayor altura de miras y ganas de traspasar fronteras para encontrar personajes e historias con las que realmente nos identificamos. Las series, como el cine o los libros, ofrecen mundos y puntos de vista en los que nos podemos ver representados, aunque sean en escenarios en los que nunca lo hubiésemos imaginado. La tienda de Manolo Blahnik en Nueva York, el Bada Bing de Nueva Jersey o unas espectaculares mansiones de Monterrey.

En las últimas semanas he encontrado varios ejemplos al respecto, de series que se rechazaban al instante por simples clichés. Y más de uno se ha tenido que morder la lengua al verse después reflejado e interesado con ese personaje al que se menosprecio por ser mujer o por ser mayor. Así sin más. ‘Big Little Lies’ (estupendo trabajo protagonizado por Nicole Kidman y Reese Witherspoon) fue despachada cuando se presentó, considerada sin más ‘otra serie de chicas’ o de ‘mujeres desesperadas’. Al final ha resultado una notable producción sobre el modo en que gestionamos la violencia en la sociedad, sobre las limitaciones y frustraciones dentro de la pareja y sobre la manera de enfrentarse a la maternidad (y a la paternidad, aunque esto en un segundo término). Otro ejemplo podría ser el de ‘Por 13 razones’, el último fenómeno de Netflix, que parece únicamente dirigido a un público juvenil. Y no. Aunque está claro que la historia de la difunta Hannah Baker va a interesar a los más jóvenes (no a todos, no todos los jóvenes son iguales, ni todas las mujeres, ni todos los hombres, ni todos los habitantes de Pensilvania). A los que tenemos otras edades la serie que trata de analizar los actos de bullyng habituales en cualquier círculo estudiantes también nos puede llegar de otras maneras y es posible que reflexionemos sobre el eco y la repercusión de algunos de nuestros actos pese a que no nos identifiquemos con ninguno de los estudiantes enganchados a los cassettes. Y que conste que es un título al que le encuentro muchos peros (pero no tienen nada que ver con la identificación ni con prejuicios previos).

Hace un par de semanas concluyó uno de los títulos más veces rechazados amparándose en estos motivos: ‘Girls’. No es para mí, he escuchado más de una vez. ¿Por qué? Es una serie de chicas, es una serie de jóvenes, es una serie de snobs, me han respondido. Prejuicios. Ha tenido todos los sambenitos imaginables y muchas veces ha sido sentenciada sin darle demasiadas oportunidades. Y es una pena. Admito que pueda gustar más o menos, que contiene errores, pero a la apuesta de Lena Dunham se le deben reconocer no pocos aciertos y una gran capacidad para que los espectadores comprendiesen a sus protagonistas aunque no fuesen chicas, aunque no hubiesen cumplido los 30 años o aunque no tengan afición a quitarse la ropa con cualquier excusa. ‘Girls’ ha hablado sobre malas decisiones, sobre expectativas no cumplidas, sobre las hostias que te va dando la vida en la cara mientras crecen y se desdibujan las ilusiones. ¿Hay alguien en el mundo que no se pueda identificar con estas situaciones? Que levante la mano, me encantaría conocerlo. Las frustraciones y los sinsabores de ir madurando han marcado las seis temporadas de una serie que nunca se ha traicionado a sí misma y que ha hecho pocas concesiones a las etiquetas. Es más, se ha reído de ellas. Y eso se agradece.

Una vez vencidos los recelos y suspicacias uno descubre que ‘Sexo en Nueva York’ es mucho más que un título sobre chicas que ligan y se compran zapatos (aunque liguen y compren zapatos, que tampoco es ningún delito), que ‘Los Soprano’ no es solo otra de mafiosos y que en ‘Please like me’ importan más cuestiones que la opción sexual de su protagonista. Hay que dar oportunidades a las series, pese a que a priori parezca que tienen poco que ver con nosotros. ¿O es que alguien iba a pensar que una familia que regenta una funeraria (la de ‘A dos metros bajo tierra’) iba a servirnos de espejo tantas veces? Pues eso. Los Fisher siempre son un buen metro para medirse.

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Hace un tiempo en una charla distendida, después de una comida promocional, una colega de trabajo (Mariola Cubells) le preguntaba a Luis Eduardo Aute si él veía la tele. Y él, sorprendido, respondió con un rotundo sí. Y reconoció que en su menú cabía un poco de todo. La conversación derivó en las series de nueva generación y el cantautor renegó de todos las ficciones que llegan de Estados Unidos. “Al final todas son demasiado patrióticas”, matizó. No conseguimos convencerle de que algunos títulos al menos introducían críticas o cuestionaban posturas y que sólo por eso merecían un vistazo. Aunque con puntos de vista dispares fue una charla agradable, de esas que apetece repetir. A ver si Aute se recupera completamente pronto y podemos volver a discutir de series o de lo que sea.

Me he acordado de él en las últimas semanas, después de ver las últimas temporadas de producciones como ‘Homeland’ o ‘American Crime’, o algunas nuevas como ‘The Good Fight’. Pocas industrias audiovisuales están tan pegadas a la actualidad como la estadounidense. Hace nada que este país ha vivido un acontecimiento inesperado con la llegada de Trump a la Casa Blanca y ya hay series en las que se analiza este hecho y los efectos de las políticas del nuevo presidente. Claro que son patriotas los americanos, es evidente, pero también son autocríticos y no tienen problema en exhibir sus vergüenzas. Aunque luego cuando deben sacar pecho sean los que más se pavoneen. Son excesivos para lo bueno y para lo malo.

Y a mí eso a veces me da envidia. Al menos en lo que concierne a las series es como para desear un espíritu crítico similar por nuestros lares. ¿En cuál de nuestras producciones nacionales se han visto reflejados los escándalos y noticias que han predominado en nuestra sociedad en los últimos años? ¿Dónde están los casos de corrupción? ¿O la irrupción de nuevos partidos? ¿O la fracturación en añicos de una de las principales formaciones políticas de España? ¿Qué título ha aprovechado los follones de la Familia Real para modificar alguno de sus argumentos? ¿Saben en las series lo que son las tarjetas black o las prejubilaciones fraudulentas? A juzgar por lo que llega a la pantalla la respuesta es que no. Nuestras últimas ficciones -que han estado muy bien- hablan de casos de trasplantes extraños o de chicas desaparecidas. Las próximas que se anuncian incluyen monjas, narcotraficantes y ladrones de bancos. La actualidad, para los debates de La Sexta. No podemos pedir mucho más.

‘The Good Fight’ se estrenó a mediados de febrero. Trump apenas llevaba unas semanas ocupando el despacho oval. A la serie le dio tiempo a modificar el primer capítulo para incluir una secuencia de su protagonista siguiendo con incredulidad por televisión cómo el empresario juraba su cargo. A partir de ahí temas como la violencia policial y el machismo se han tratado de un modo diferente, teniendo en cuenta algunos sucesos relacionados con el magnate y con las medidas que quiere llevar a cabo. El despacho de abogados de Diane Lockhart habría sido muy diferente si Hillary hubiera ganado. Ese sentido de la actualidad es envidiable. ¿A cuántos personajes de series españolas se les recuerda viendo en la televisión cómo Rajoy entra en la Moncloa o cómo los miembros del PSOE se enzarzan entre sí? La respuesta es sencilla: a ninguno. Algunos confiábamos en Netflix, pero de momento ha preferido contar una historia enclavada en los años 30. Veremos qué depara todo lo que está rodando Movistar.

Para los guionistas estadounidenses la actualidad es una oportunidad, no sólo no la sortean sino que recurren a ella para nutrir sus historias y darles más fuerza. Por poner un ejemplo, el matrimonio King (creadores de ‘The Good Fight’ y de su predecesora, ‘The Good Wife’) tomaron prestado un escándalo real (la censura de un episodio de la serie ‘Ley y orden’ inspirado en los escarceos sexuales del nuevo líder americano) para una de las tramas de esta nueva temporada. ¿De cuántos sucesos verídicos (como lo de los titiriteros o las condenas por tweets) se han apropiado los guionistas patrios? De ninguno. Y mucho me temo que no será porque ellos no quieran. En eso nuestras cadenas están cerradas en banda. ¿Actualidad? Ni con agua caliente.

En ‘Homeland’ quisieron adelantarse a la realidad y plantearon la sexta temporada en torno al supuesto de que Estados Unidos estuviese dirigido por una mujer. Daban por hecho que Hillary iba a ganar las elecciones y que algunos posturas políticas que tomó en el pasado (respecto a la implicación del país en conflictos bélicos) le pasarían factura. Pero la realidad siempre supera a la ficción. Y en este caso les pasó por encima. A pesar de ello la tanda de capítulos que está a punto de cerrarse contiene no pocas críticas a la forma de actuar de los mandatarios yanquis y a las secuelas de algunas de sus tragedias nacionales. “Desde lo del 11-S todos estamos paranoicos”, critica Carrie, cuestionando las maneras en que ha actuado su país amparándose en aquel acto terrorista. El atentado en Nueva York ha marcado esta serie desde su creación y vuelve a hacerlo en una temporada en la que la CIA y el FBI quedan cuestionadísimos y en la que, sobre todo, se plantea que las prevenciones para evitar ataques de grupos armados no pueden justificar cualquier conducta por parte de las autoridades sobre todo a personas de otras nacionalidades. ‘Homeland’ tiene mucha fantasía y mucha exageración, pero también desliza algunas reflexiones que ya las querríamos por aquí. Aquí, donde hablar de terrorismo sigue siendo un asunto peliagudo, sobre todo si se desliza alguna opinión políticamente incorrecta.

Luego está el caso de ‘American Crime’, que como tiene unas audiencias tan ínfimas nadie valora lo suficiente. Lo de esa producción es como si en España Telecinco sorprendiese con una ficción crudísima sobre el conflicto con los inmigrantes en la valla de Melilla. ¿Alguien lo ve factible? Quién sabe. De momento no lo es. ABC (emisora generalista americana con títulos populares como ‘American Housewife’ o ‘Anatomía de Grey’) estrenó hace tres años un producto sorprendente, donde ponía en evidencia algunas sombras que siguen latiendo en la sociedad americana, en esa que ha votado a Trump. La primera temporada se desarrollaba en Modesto y planteaba un crimen en los que los conflictos raciales eran clave. Lo que venía a decir es que el racismo no sólo es latente en algunos barrios de Baltimore, que es una enfermedad que asalta otros muchos estados yanquis. En la segunda tanda de capítulos ese tema también daba de sí y se añadía una visión a las formas en que se resuelve en diferentes estamentos las consecuencias de una agresión sexual. Era contundente, dura y no dejaba en buen lugar a una sociedad que quiere aparentar lo que no consigue ser. Cuatro capítulos lleva emitidos la tercera temporada. Las penosas condiciones laborales de los inmigrantes están siendo el hilo conductor de una trama que deja en evidencia algunas decisiones de Trump que lejos de proteger a las personas que llegan a buscar refugio en Estados Unidos, quiere despreocuparse de ellas. Eso se puede ver un día laboral, en una cadena en abierto de la América de Trump. Igual debemos mirar algo ensimismados a esta América (que toma decisiones que no llegamos a entender) y no criticarla con tanto desdén y una superioridad que no tenemos.

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Quizá es porque la cantidad de títulos que se estrenan impide ofrecer una cobertura similar para todos ellos. Tal vez es porque las propias cadenas se vuelcan más en la promoción de unos productos que en otros. O puede ser que se deba a una cuestión de modas, de ‘hype’. Esto último suele ser algo más incontrolable y responde a razones difíciles de adivinar o de plasmar en un papel. Se tiene o no se tiene. Y luego está el tema de fondo, el que aborde la serie en cuestión, que a veces se presta poco a titulares de esos que enganchan enseguida al lector.

Sea como sea antes de que comience abril -que viene cargado de estrenos (lo nuevo de ‘Fargo’, lo último de ‘Leftovers’, lo resucitado de ‘Prison Break’)- conviene señalar tres producciones que están en emisión ahora mismo y que ya se encuentran entre lo mejor del año y merecerían ocupar un lugar destacable en los palmarés de premios que vengan.

Big Little Lies (se emite en HBO)

Ha sido la sorpresa de la temporada. Posiblemente porque llegaba con un montón de prejuicios a sus espaldas y le ha tocado quitárselos de encima para que la valoren como lo que es, una serie valiente y que da voz a sensibilidades que rara vez se muestran en la pantalla. O no al menos de este modo. Además de por su argumento cabe destacar el excelente trabajo que hacen cada una de las actrices protagonistas (todas de relumbrón) que se exponen a papeles complicados y nada complacientes.

Nicole Kidman, Reese Witherspoon, Shailene Woodley y Laura Dern protagonizan esta ficción (autoconclusiva, de siete capítulos) basada en un libro de Liane Moriarty. Se desarrolla en Monterrey, estupenda ciudad californiana (¡qué paisajes! ¡qué casas! ¡qué todo!), en la que viven unas cuantas familias ricas y aparentemente idílicas. El dinero no da la felicidad. Eso ya nos lo habían contado. Y esta serie lo atestigua. En ellas las mujeres son las protagonistas y todas se encargan de esconder y disimular no pocas miserias. Gastan más recursos y energía en simular que son felices que en serlo realmente.

Quien haya querido ver con esta serie una suerte de nueva ‘Mujeres desesperadas’ se ha equivocado. La desesperación es muy diferente aquí. En ‘Big Little Lies’ se aborda la maternidad más allá de los tópicos que suelen rodearla y sin temor a reconocer que esta no siempre llega aparejada con la plenitud y la realización personal. No hay madres malas, hay diferentes modos de ser madre. Se plantea el matrimonio y la imposición (social) de vivir en pareja desde distintas perspectivas, algunas realmente asombrosas. Y se tocan otros temas, como el del maltrato, desde un punto de vista muy incómodo, pero también revelador. Y luego hay un crimen de fondo, pero eso es lo que menos interesa.

American Crime (se emite en Movistar)

No es nueva esta serie de la cadena ABC, que en sus dos temporadas anteriores ya asombró tanto por su temática como por su ejecución. También llama la atención por emitirse en una cadena generalista (que suelen apostar por productos que van encaminados a gustar a toda la familia) y por sus audiencias, que suelen ser bajas. Este curso las cifras son aún peores, y veremos si la consiguen salvar las buenas críticas (como en las ocasiones previas).

‘American Crime’ es una serie incómoda, sobre el lado de Estados Unidos que a los americanos más les cuenta enseñar y aceptar, sobre los puntos negros que siguen extendiéndose por la geografía de la potencia más importante del mundo, sobre problemas que se creen superados (como la discriminación racial o sexual) y que están más que incrustados en la sociedad yanqui. Esta producción los pone sobre la mesa y los retrata con una crudeza pocas veces vista en televisión. No existen demasiados títulos necesarios en la tele. Este es uno de ellos.

La primera temporada planteaba un crimen empañado por no pocas connotaciones raciales que llevaban a presuponer (erróneamente) quién era el culpable (por su color de piel) y quién era la víctima inocente (por su color de piel también). En la segunda tanda de capítulos el argumento giraba en torno a un joven que denunciaba a dos compañeros de instituto por haberlo drogarlo y agredido sexualmente en una fiesta. Los prejuicios en torno a las orientaciones sexuales, así como las diferencias por cuestión de raza o por motivos económicos influían en el caso. La tercera temporada comenzó hace un par de semana y tal vez haya arrancado con menos contundencia que las anteriores, pero los asuntos que pone sobre la mesa son igual de interesantes y quizá más necesarios que nunca. Estamos en la era Trump. Y en estos momentos denunciar la situación de los inmigrantes en Estados Unidos es casi una obligación de cualquier autor. ‘American Crime’ lo hace y también aborda la explotación infantil y la prostitución. Promete, aunque vaya a un ritmo más lento que en ocasiones anteriores. La peculiaridad de este título es que siempre cuenta con el mismo elenco pero interpretando papeles diferentes. Es un gusto siempre ver actuar a Felicity Huffman o Regina King, entre otros.

Feud (se emite en HBO)

De esta producción sí que se ha hablado, pero mucho más antes de estrenarse que una vez presentados los primeros episodios. Cualquier cosa que firme Ryan Murphy (y firma un montón) llama la atención y esta serie no iba a ser menos. Además el argumento no podía ser más llamativo, narrar la enemistad que caracterizó la relación entre Bette Davis y Joan Crawford. Al frente del reparto están Susan Sarandon y Jessica Lange. No puede ser más bombón y por ello acaparó reportajes previos, en los que se proponían teorías y se recordaban las frases y hechos célebres de las dos divas de Hollywood.

Ya se han mostrado la mitad de los episodios de los que constará la serie (son ocho) y cabe resaltar lo bien producida y realizada que está, lo bien que se ha dibujado el Hollywood de esa época, los entresijos de la industria del cine y la tiranía de la sociedad con las mujeres que cumplen años. Ahí está uno de los grandes temas. Porque normalmente la historia de Davis y Crawford se ha contado como la de una pelea de gatas, desatadas por los celos y el ego. Pero en este título se va más allá y se nos muestra a dos mujeres que lo fueron todo y que al hacerse mayores se las esquinó y denostó. Y cuando Hollywood volvió a contar con ellas fue solo para que se destrozasen entre sí y eso aumentará el morbo (y los millones en taquilla) de verlas juntas en pantalla.

‘Feud’ nos presenta a dos actrices estupendas, que aunque no se caían demasiado bien entendieron que debían trabajar juntas para sobrevivir. Y trataron de hacerlo apaciblemente. Pero eso no interesaba y por ello fueron otros los que alimentaron todo tipo de rumores, dimes y diretes para que se tirasen de los pelos y se enfrentasen. En el piloto sorprendió la interpretación de Susan Sarandon (carne de premio), que volvió a recordarnos lo bien que fumaba Bette Davis. Pero en las siguientes entregas Lange no se ha quedado corta y ha dibujado un personaje de una fragilidad que enternece. Cuánto estamos disfrutando (y aprendiendo) de este choque de talentos.

Qué buenos papeles de mujeres están dando las series esta temporada, por cierto.

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No se puede hablar de esta serie sin presentar a quien la interpreta, la escribe, la dirige e incluso la edita. ‘Louie’ no existiría sin Louis C.K. No se puede entender la una sin el otro. Se llama Louis Szekely, apellido de origen húngaro cuya pronunciación aproximada sería CK, de ahí el nombre artístico que este todoterreno -nacido en Washington pero criado entre Ciudad de México y Boston- escogió para subirse a los escenarios. Primero a los de los bares, donde, según él mismo ha relatado, le costó hacerse con el público. Y más tarde a los de programas, en especial ‘late-nights’, en los que el formato del monologuista es tan agradecido.

Llamamos monologuista a aquellos actores con sentido del humor, y con discurso y estilo propios, que son capaces de generar una historia o de aportar un punto de vista completamente diferente a un tema cotidiano, y no a alguien que encadena una serie de chistes manidos. Conviene recordarlo.

Las intervenciones de Louis permitieron atisbar un lenguaje crudo y una escasez de filtros para abordar temas, lo que hace verdadero honor a lo políticamente incorrecto, que tantas veces se usa sin que de incorrecto tenga nada. Se convirtió en estrella delante de las cámaras, y detrás, como guionista, labor por la que ha ganado premios como el Emmy. Cuando alguien encarga una serie a este comediante entiende que el resultado final no será ‘La casa de la pradera’.

HBO fue la primera cadena que le propuso una ‘sitcom’ -de esas que los americanos tan bien realizan con duración limitada y público en el plató, y que en España nunca se han logrado asentar, salvo honrosas excepciones-. ‘Lucky Louie’ giraba en torno a una pareja a la que le cuesta sobrevivir con sus trabajos y criar a una niña no demasiado agradable. Aunque la experiencia no fue buena -a la crítica no le entusiasmó, los datos de audiencia resultaron ridículos y, tras una temporada, se canceló-, sí permitió establecer un tono que marcaría a la que se considera una de las grandes comedias (agridulce en muchos momentos) de este siglo. ‘Louie’ es lo que se llama una serie de culto, es decir, de las que ven cuatro gatos que la defienden como a una madre y que suele ser mimada por los críticos y los galardones.

‘Louie’ corrigió errores del pasado. En primer lugar, no intentó ser como las demás ni ajustarse a patrones convencionales. Esto le otorgó una libertad absoluta a su creador. En segundo lugar, no estableció un argumento cerrado, lo que deja que la trama discurra por los terrenos que quiera. La combinación de todo esto dio lugar a varias mezclas: de ficción y realidad, de comedia y drama, de documental y ‘sitcom’. Lo llaman ‘post-humor’, una etiqueta difícil de definir todavía (por falta de ejemplos). Y aunque los experimentos hay que hacerlos con gaseosa se debe reconocer que en este caso funcionó.

Louis interpreta a Louie. Louie es cómico, al igual que Louis. Y vive en Nueva York, al contrario que Louis, que reside en Boston, aunque trabaje mucho en Nueva York. Pero no se confunda. Louie no es Louis, pero se parecen bastante. Un ser gris, acomplejado, inestable emocionalmente que lucha para vivir y sobrevivir en la Gran Manzana es el protagonista de este imprevisible título en el que lo mismo un día encontramos al personaje principal provocando que una mujer rompa aguas mientras tiene sexo con ella, que a sus dos hijas sometiéndole a un interrogatorio, que a David Lynch en el papel de un surrealista productor. Cada capítulo es un folio en blanco, una sorpresa, que gustará a los fieles del universo Louis C.K. y aburrirá y repelerá a sus detractores. No suele haber términos intermedios. La producción de FX, que se estrenó en 2010, es prima lejana de ‘Seinfeld’, guarda parentesco con Tina Fey y no tiene nada que ver con ‘Modern family’.

Con todo, la serie permite algunas lecturas nada desdeñables, como que el mundo actual es cruel, que cada vez tenemos más armas para comunicarnos mejor y no las sabemos utilizar, que hemos convertido las ciudades en junglas, que en estas viven seres abyectos y despreciables. Y que la mayoría de ellos se topan con Louie. No falla. Todos dan con él. Normal que luego no levante cabeza.

Al protagonista y promotor de esta producción se le debe reconocer como virtud que sabe reírse de sí mismo y ridiculizarse al máximo cuando es necesario. El guión manda. Y con esto siempre se consigue poner al espectador de parte de la víctima maltratada.

Actores como Ricky Gervais, Chloë Sevigny, Joan Rivers, Bob Saget y Robin Williams han pasado por este show, que se ríe de todo y de todos y lo mismo provoca sonrisas que caras largas. No hace concesiones y eso tiene un precio.

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Uno de los capítulos de la segunda temporada de ‘Black Mirror’ gira en torno a un programa de televisión en el que aparece un dibujo animado que triunfa entre la audiencia por la forma descarada con la que entrevista a los políticos. La popularidad de Waldo, el personaje en cuestión, va aumentando a medida en que pone en aprietos a los invitados y se comporta de un modo más soez, tanto que los productores deciden dar un paso adelante y presentan al oso a las próximas elecciones. Es maleducado, realiza promesas populistas, descalifica y ridiculiza a sus oponentes y aún así arrastra a un buen número de seguidores tras él. ¿Les suena? El argumento recuerda bastante a lo sucedido recientemente en Estados Unidos, pero lo curioso es que el episodio se emitió cuando nadie sospechaba que alguien como Donald Trump pudiese aspirar a ocupar la Casa Blanca ni mucho menos vencer.

El poder anticipatorio ha caracterizado a esta producción de Channel 4 que ha sorprendido al público desde que se estrenó en Reino Unido en diciembre de 2011. Charlie Brooker quería recuperar el espíritu de ‘The Twilight Zone’, que en España se conocía como ‘Dimensión desconocida’ y planteaba en cada episodio una historia de terror. El realizador fijó su mirada en la tecnología (en su alcance, en la influencia en nuestras vidas) y situó las tramas en un futuro cercano. Sustituyó los monstruos por aparatos y planteó un espacio temporal próximo. ¿Hay algo que pueda dar más miedo?

En el primer episodio la ficción cuenta cómo el primer ministro inglés se enfrenta a una crisis de estado cuando un miembro bastante querido de la Casa Real es secuestrado. Los captores ponen en circulación por diversos canales un mensaje en el que explican que la única condición para que sea liberado es que el mandatario británico mantenga sexo con un cerdo, y que dicho acto sea transmitido en directo por televisión. Lo que parece en un principio una auténtica locura comienza a no resultar tan descabellado cuando la opinión pública empieza a presionar y exige al primer ministro el sacrificio. ‘El himno nacional’ –así se titulaba– era un sopapo en condiciones al espectador pasivo que se había sentado a ver otra serie más de ciencia ficción. Porque esta producción mete el dedo en la llaga, inquieta, incomoda y hace pensar. Es otra cosa. 

Una mujer supera la pérdida de su marido a través de un programa que lo ‘resucita’ a través de su rastro virtual; una pareja discute y se enzarza en una serie de reproches que pueden desenmarañar gracias a un dispositivo en la mente humana que graba todos los recuerdos para que, como si estuviesen en un dvd, se pueda recurrir a ellos cuando no se recuerda exactamente cómo aconteció algo concreto; una mujer vive en una sociedad obsesionada con la puntuación, en la que todas las personas se someten constantemente al juicio de los otros y en la que aquellos que consiguen cifras más altas tienen más sencillo acceder a mejores trabajos, casas o eventos sociales.

Son argumentos de algunos de los episodios más impactantes vistos en las tres temporadas de las que consta la serie. Parecen exagerados pero quien los ve no puede dejar de sentir cierto temor ante la idea de que algo así acabe ocurriendo. Nada es desatinado. ¿O nos hubiésemos podido imaginar hace unos años que sería factible hablar y verse a través de una cámara con una persona desde cualquier parte del mundo? ¿O que accederíamos a las compras y transacciones que quisiéramos con un dispositivo que llevamos en nuestros bolsillos?

Los siete primeros capítulos se produjeron por la cadena inglesa. Después llegó el gigante Netflix, compró los derechos y lanzó una nueva ración de historias. Se encuentra ya preparando seis más que estarán disponibles en unos meses.

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A menudo cuando pensamos en esos personajes de moral deplorable que han caracterizado a las series de nueva generación de este siglo suelen venirnos a la mente Tony Soprano, Walter White o Dexter Morgan. Meditando un poco más nos acordaríamos de Omar Little, Don Draper o Frank Gallagher. Suele olvidarse -incluso hay quien desconoce su existencia- Vic Mackey, líder del equipo de asalto de uno de los departamentos de Policía de Los Ángeles. Él es el motor y esencia de ‘The Shield’, título imprescindible para conocer los entresijos y métodos de actuación de las fuerzas del orden americanas y las reglas no escritas de la calle. Se habla mucho de ‘The Wire’ y poco de ‘The Shield’. Y no es justo.

Mackey lo tiene claro. «Nadie que viva en este país puede estar limpio». Y lo dijo antes de que Trump accediese a la Casa Blanca, que conste. Para hablar de suciedad y de corrupción hay que empezar por él, por sus métodos cuestionables, por sus formas violentas, por sus trampas ilegales. Es excesivo en su trabajo y eso repercute en su vida personal. Lee la ley como le conviene y se proclama juez para dictaminar lo que se debe hacer o no y el castigo que se ha de tomar. Y es un superviviente, capaz de adaptarse a las circunstancias que sean necesarias y de acometer cualquier atrocidad con tal de salvar su cuello. Aunque haya sangre de por medio. No es un policía cualquiera. «Lo del poli bueno y el poli malo se acabó por hoy. Yo soy un tipo de policía diferente», exclamó en un episodio.

Y, a pesar de todo, el espectador se pondrá del lado de este investigador en ocasiones, le disculpará mucho, incluso llegará a sentirse identificado aunque no lo confiese abiertamente. Como ocurre con el mafioso de New Jersey, y con el profesor de Química, y con el forense de Miami. Pero de Mackey se habla menos. Y eso tenemos que remediarlo.

Entre 2002 y 2008 se mantuvo ‘The Shield’ en antena. En su primera temporada ganó un Emmy y su protagonista también fue reconocido con varios galardones. Ya hemos dicho que Vic no es un poli cualquiera, igual que ‘The Shield’ no es una serie de polis cualquiera. Va más allá de ‘Canción triste de Hill Street’ o de ‘Homicidio’. La cadena estadounidense FX quiso demostrar que no sólo HBO podía dar golpes sobre la mesa. Y a más de uno dejó KO.

El centro neurálgico de la trama está en The barn -La Cuadra-, que es como se conoce a la comisaría ubicada en The Farm -La Granja-, por el ‘ganado’ que vive en la zona. A partir de ahí se monta un grupo especializado en desarticular bandas, formado por, además de Mackey, el racista, descerebrado y temerario Shane Vendrell; por Curtis Lemansky, el único que duda de las líneas rojas que continuamente traspasan; y por Ronnie Gardocki, un mosquita muerta que va tomando nota de sus compañeros, creciendo como personaje y termina ‘matando al padre’. Y esto no es literal, no hay espoiler en esta expresión. Que la comisaría desde la que operan esté construida en una antigua iglesia solo se puede entender como una enorme metáfora de Shawn Ryan, creador de la producción.

A lo largo de siete temporadas y de 88 capítulos además de a policías agresivos, ambiciosos o desleales este título fue presentando, en medio de una estética adusta, las distintas bandas que patrullan por las calles y luchan por hacerse con el control del tráfico de drogas. Los Toros, Los ‘Mags’ Magníficos, o Los King Rats fueron algunas de las representantes latinas. En cuando a las afroamericanas se toparon con Los One-Niners, Los Johnny o Los 12 de Fartown. A estos se unen mafias como el Cártel Colombiano. El abanico de personajes sirve para trazar un mapa preciso de la delincuencia.

Si algo destaca en ‘The Shield’ es la construcción de personajes, que van destapándose y revelándose a medida que avanzan las tramas. Pocos son los que a lo largo de los años no se enfrentan a nuevos retos o evolucionan, aunque no siempre a mejor. A la ficción no le temblaba el pulso a la hora de mimarlos con casos compejos o de liquidarlos cuando la historia lo pedía. Ryan siempre miró por el interés general y por los consumidores de su título y eso se nota en los esfuerzos del guión por no dejar de sorprender y por el ritmo desenfrenado de cada episodio.

Hay dos formas de analizar ‘The Shield’, a través de la fauna que va, viene y se retiene en la comisaría, o a través del periplo de Vic Mackey, al que conocemos desde la furia y al que lo vamos a ver transitar por todo tipo de estados, y al que le estallarán en la cara muchas de sus formas de proceder. Merece la pena recordar la participación de dos intérpretes de prestigio que con sus papeles fueron capaces de dar un nuevo impulso a las tramas. Glenn Close llegó el cuarto año como nueva jefe de policía y Forest Whitaker lo hizo al final para servir de contrapunto de Vic.

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Resulta imposible hablar de ‘Hermanos de sangre’ sin citar ‘Salvar al soldado Ryan’, el filme dirigido por Steven Spielberg en 1998 y que logró cinco Oscar, incluyendo el de mejor director. Enmarcado en la Segunda Guerra Mundial narraba cómo, tras el desembarco de los aliados en Normandía, un grupo de soldados americanos se enfrentan a una complicada misión: poner a salvo al soldado James Ryan. Los elegidos son los hombres de la patrulla del capitán John Miller, que han de arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. El éxito de crítica y de público fue tal que el realizador decidió seguir en esta línea aunque en un escenario diferente, la televisión. Fue así como planteó una serie que también se desarrollaría en el conflicto bélico.

Para elaborar el guión se tomó como punto de partida la novela ‘Band of Brothers’ de Stephen Ambrose, autor que se unió a la producción de la serie. En esta misma labor se metió Tom Hanks, que había protagonizado el filme. Con estos valedores es lógico que no les costase convencer a HBO y a la BBC para que se embarcasen en el proyecto.

El medio televisivo no le era desconocido, por supuesto, a Spielberg. Por ejemplo, uno de sus primeros trabajos fue ponerse al frente de un capítulo de ‘Colombo’. Corrían los primeros años 70 y todavía el cineasta no había firmado títulos de éxito como ‘Tiburón’, ‘ET El Extraterrestre’ o ‘Indiana Jones’. Su primera aventura catódica, y quizá la más célebre, fue ‘Cuentos asombrosos’, título de la NBC que mezclaba ciencia ficción y terror y en el que ejerció como creador, director y productor. Después llegaron formatos de dibujos animados como ‘Tiny Toons’ o ‘¡Fenomenoide!’. Aunque no se le suele asociar con este título también estuvo detrás de ‘Urgencias’. Y más tarde se ha embarcado en propuestas tan diversas como ‘United States of Tara’, ‘Terra Nova’, ‘Smash’ o ‘La cúpula’.

‘Hermanos de sangre’ abrió el siglo XXI como una producción de gran presupuesto y enorme exigencia técnica y se ha convertido en uno de los mejores títulos en torno a la II Guerra Mundial. Se centra en la historia de la Easy Company, un batallón americano del regimiento 506 de paracaidistas, y en las batallas que le tocó librar. Con gran acierto la producción entremezcla testimonios de supervivientes de la compañía con hechos de ficción en una suerte de documental ficcionado. Durante diez episodios los espectadores van conociendo a los hombres que les tocó estar en el frente y, sobre todo, los lazos que se establecieron entre ellos. Porque esta es una serie sobre la guerra, pero también sobre los vínculos y amistades que surgen en tiempos difíciles. Las hermandades manchadas con sangre.

Con algunas licencias históricas -no muchas, teniendo en cuenta que estaba Spielberg detrás, que es muy dado a ellas con tal de conseguir determinados golpes efectistas- la producción describe la crudeza de este tipo de enfrentamientos, el terror y desasosiego que producen. Y no escatima a la hora de reflejarlo en pantalla. No hay piedad para matar a nadie ni para representar las muchas batallas que suceden en los episodios.

Posiblemente otro de los grandes aciertos de ‘Hermanos de sangre’ es el elenco, con un montón de figuras que entonces no eran demasiado conocidas y que después han sacado adelante trayectorias relevantes. Detrás del sargento Burton Christenson se escondía Michael Fassbender antes de ‘X Men’, ‘12 años de esclavitud’, ‘Shame’, ‘Steve Jobs’ y otras películas que lo han convertido en una de las estrellas más indiscutibles del Hollywood actual. El mayor Richard Winters estaba encarnado por Damian Lewis, que sería reconocido años más tarde por otra serie, ‘Homeland’, aunque entre ambas se colasen no pocos títulos televisivos y cinematográficos. Ojo también a Ron Livingston como el capitán Lewis Nixon, que hasta entonces se había labrado una carrera en producciones independientes y que después fue reclamado por series de éxito como ‘Sexo en Nueva York’ (será recordado por su post-it a Carrie) o ‘Boardwalk Empire’. Un muy joven Tom Hardy dio vida al soldado John Janovec, mientras que un demasiado encasillado (por ‘Friends’) David Schwimmer fue el capitán Herb Sobel. Y quizá esta fue la apuesta menos acertada de un casting que también incluyó a James McAvoy, Jimmy Fallon, Neal McDonough y Michael Cudlitz, entre otros muchos.

Todos ellos contribuyeron a hacer mejor un retrato violento, dramático y realista sobre una batalla que desmoronó el mundo.

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